Ab 19. September 2019

HEUTE ODER MORGEN

+ Liberté + Petting statt Pershing + Der Honiggarten

Berlin in der Leichtigkeit und Schwüle eines warmen Sommers: Maria und Niels sind seit zwei Jahren ein Paar, leben in den Tag hinein und führen eine freizügige sexuelle Beziehung. Als sie Chloe kennenlernen und es bald darauf zu dritt miteinander probieren wollen, müssen die beiden ihre unterschiedlichen Vorstellungen von Nähe und Grenzen noch einmal neu auf den Prüfstand stellen...

„Thomas Moritz Helms Filmdebüt erzählt mit unverkrampfter Selbstverständlichkeit von diesem fragilen Zustand zwischen Freiheit und Verunsicherung. Die Bewegungen seiner Protagonisten sind stets tastend und ihre Überschreitungen nie künstliche Provokation. Ein leichtfüßiges Lehrstück über das Driften in den Widersprüchlichkeiten der Liebe." (Süddeutsche-Online)

„Wie liebt man zu dritt? Und wie wird man zu dritt schwanger? Der deutsche Debütfilm "Heute oder morgen" nimmt sich Polyamorie unter Millennials an." (Spiegel-Online)

„Maria, Niels und Chloe – bloß ein Berliner Sommerkickfickabenteuer? Oder sind doch Gefühle im Spiel?" (Die Zitty-Kurzfassung des Films)


LIBERTÉ (ab 12.09.)
1774, irgendwo zwischen Berlin und Potsdam: Eine Gruppe von freigeistigen französischen Adeligen wurde vom Hof Ludwig d. XVI. verbannt und sucht nun die Unterstützung eines deutschen Herzogs und Freidenkers. Gemeinsam teilen sie die Ideale der philosophischen Aufklärung und die Vorstellung eines zügellosen, freien Lebens, frei von Moral und traditioneller Autorität und voller sinnlicher Ausschweifungen...

Sperrig und eigenartig, „beklemmend" und „betörend" (s.u.): Der katalanische Theaterregisseur Albert Serra hat sein eigenes Stück verfilmt, das erst letztes Jahr an der Berliner Volksbühne lief und auf zwiespältige Resonanz stiess, mit Helmut Berger als libertärer Herzog, der seine Rolle auch in der Filmversion übernahm, und Ingrid Caven als französische Adelige, die wiederum nicht im Film mitspielt. Wie schon in der Theaterfassung wird keine konventionelle Handlung bzw. Erzähldramaturgie geboten sondern einzelne Szenen, Situationen, Dialoge oder gezielte Tabubrüche irritieren herkömmliche Sehgewohnheiten und beschwören eine eigentümliche Stimmung des Exzess und der Grenzüberschreitung, ohne dabei allerdings pornographische Klischees zu bemühen. Auf diese formale Machart sollte sich der Kinogänger schon einstellen können, wenn er einen Erkenntnisgewinn - sei er sinnlich-ästhetisch, sei er geistig - aus dem ganzen ziehen will, denn sonst könnten die 132 Minuten verfilmtes Theater schnell anstrengend werden. Im Unterschied zur Theaterversion entfaltet der Film allerdings eine größere Unmittelbarkeit, Direktheit und Intimität, was sich insbesondere auf die intensivere Wahrnehmung der nackten Körper auswirke, wie Regisseur Serra im taz-Interview betonte:

„Fazit: Alles spielt sich im Halbdunkeln ab. Fast gespenstisch wechseln sich dumpfe Dialogfetzen mit immer wilder werdenden Sex-Spielchen ab. Bis zur Perversion wird provoziert. Blanke Busen und pulsierende Penisse können heute jedoch nicht mehr schocken. Nur eine lustlose Zurschaustellung, die langweilt." (BILD-Online) O Tempora, o mores, wo soll das alles enden? Wenn jetzt schon die Online-Ausgabe der Bild-Zeitung - anscheinend - noch stärkere, provozierendere bzw. weniger langweilige Perversionen vermisst!??

„Im Wald die Beine breit machen, den Po emporstrecken für die Peitsche, bluten und leiden und genießen. Albert Serra beschwört die Kräfte der Zügellosigkeit auch in seinem Kinofilm Liberté – je beklemmender es wird, desto betörender wirkt es." (critic.de)


PETTING STATT PERSHING (ab 05.09.)
Eine Kleinstadt in der hessischen Provinz im Jahr 1983: Die 17jährige etwas pummelige Ursula verliebt sich in den neuen charismatischen Junglehrer Siegfried, der für den Frieden und sexuelle Befreiung eintritt und mit dem die Ideale der späten 60er auch bei ihnen auf dem Land verspätet Einzug halten. Doch hat der überhaupt auch Augen ausgerechnet für sie!?....

„Petting statt Pershing" war ein populärer Spruch der Friedens- und Spontibewegung in den frühen 80er Jahren, der im Rahmen des Nato-Doppelbeschlusses, mit dem der Westen neue atomare Mittelstreckenraketen vom Typ Pershing 2 als Antwort auf sowjetische SS-20 Raketen aufstellte, um Abrüstungsverhandlungen zu erzwingen, ironisch-salopp die große Politik mit dem innersten Intimleben kurzschloss. Er transportierte den neuen freizügigen Umgang mit Sexualität seit der „sexuellen Revolution" in der zweiten Hälfte der 60er Jahre in die politischen Debatten der 80er, ganz im Sinne etwa der Parole „das private ist politisch".

Das Regiedebüt und die milde Satire von Regisseurin Petra Lüschow kann zwar nicht mit jeder Handlungswendung überzeugen, sie glänzt aber vor allem auf soziologischer und atmosphärischer Ebene, wenn sie mit viel Liebe zum Detail die Interieurs, die Kleidung, Frisuren, Sprachcodes usw., also den ganzen soziokulturellen wie psychologischen Habitus der Zeitgenossen, rekonstruiert, um die einstigen inhaltlich-ideologischen Konflikte vor dem vielfältigen Hintergrund des damaligen Alltags noch einmal emotional aufleben zu lassen. So wie einem mit diesem Ausflug in die Zeit kurz nach Gründung der grünen Partei sinnlich-eindringlich vor Augen geführt wird, daß aktuelle politische Debatten oder weltanschauliche Grundhaltungen eine längere Vorgeschichte besitzen, so wird einem anschaulich bewußt, wie auch die beschriebene Phase der frühen 80er Jahre wiederum in vorangegangenen Entwicklungen und Veränderungen wurzelte. Damit wird dem Kinozuschauer nebenbei der Begriff der sogenannten „Ungleichzeitigkeit" unmittelbar anschaulich und zugänglich, der einst vom Philosophen Ernst Bloch geprägt wurde, nach dem Menschen zwar in derselben historischen Zeit leben aber politisch, kulturell, innerlich und geistig von ganz unterschiedlichen Zeitaltern geprägt sein können, resultierende massive Verständigungsschwierigkeiten inklusive:

„We didn't start the fire, it was always burning, since the world's been turning..." (Billy Joel)

„Regisseurin Petra Lüschow lässt die Alltagsszenen immer wieder ins Absurde kippen. (...) Anna Hornstein als rebellisch naive Ursula mit Lamawollmütze ist herrlich normal. Und der softe Junglehrer entpuppt sich als Casanova-Arschloch. Das ist treffend echt und dann auch wieder satirisch überzeichnet. Nach ein paar Längen kommt es zu einem überraschend bizarren Finale. Dabei findet der Film stets die Balance zwischen Komik und Melancholie, zwischen provinzieller Tristesse und Aufbruchsstimmung. Eine hübsche kleine Provinzkomödie über das Deutschland der 80er." (NDR)


DER HONIGGARTEN - DAS GEHEIMNIS DER BIENEN (ab 05.09.)
Eine schottische Kleinstadt in den 50er Jahren: Zwei Frauen verlieben sich ineinander und geraten in Konflikt mit der herrschenden konservativen Sexualmoral. Auch der kleine Sohn von einer der beiden Frauen wird schicksalshaft in das sich entwickelnde Verhängnis hineingezogen...

Berührendes Drama von Regisseurin Annabell Jankel ('D.O.A. – Bei Ankunft Mord', 'Super Mario Bros.') über eine innige Liebe in engstirnigen Zeiten und mit stimmungsvollen Bildern, die das zwischenmenschliche Geschehen in einen naturromantischen bzw. metaphorisch-fantastischen Kontext einbetten. Nach dem Weltbestseller "Der Honiggarten" von Fiona Shaw:

„Oscar-Preisträgerin Anna Paquin spielt in "Der Honiggarten – Das Geheimnis der Bienen" eine der Frauen – eine leidenschaftliche Ärztin. Ihre zweite Leidenschaft ist es, Bienen zu züchten. Das Bienensummen zieht sich durch den Film und verleiht ihm eine besondere Atmosphäre." (queer.de)

Ab 22. August 2019

I AM MOTHER

+ Retrospektive Andrej Tarkowskij + französische Filme der 60er Jahre + 30 Filme zu 50 Jahre Woodstock

Irgendwann in der Zukunft: Die Menschheit ist fast ausgestorben und nur ein Roboter namens „Mutter" kümmert sich um die Aufzucht von menschlichen Embryonen, die in einen Inkubator gelegt werden und schon 24 Stunden später körperlich völlig ausgereift sind. Eine dieser Töchter, die in einer bunkerartigen Wiederbesiedelungsanlage lebt und ein vielfältiges Erziehungsprogramm der „Mutter" durchläuft, begegnet eines Tages allerdings einer älteren Frau (gespielt von Hilary Swank), die behauptet, daß das behauptete Schicksal der Menschheit und ihr ganzes Leben auf einer großen Lüge beruhe!...

Kein bombastisches Action-Spektakel a la 'Terminator' und co. sondern mehr ein spannendes Science Fiction-Kammerspiel in der Tradition von Filmen wie 'Ex Machina', 'Moon', 'Her' oder 'Solaris', die von einer intelligenten Geschichte mit philosophischem Tiefgang geprägt sind. Das Spielfilmdebüt des australischen Regisseurs Grant Sputore beeindruckt dabei vor allem mit einem cleveren Drehbuch, das jede Menge überraschender Wendungen bereithält, der Leinwandpräsenz der jungen dänischen Schauspielerin Clara Rugaard in der Rolle der Tochter oder der - trotz fehlendem Blockbuster-Budget - fantastischen Tricktechnik, die z.B. die vermenschlichte und zwischen Fürsorglichkeit und Bedrohlichkeit so ambivalent schillernde Mutterfigur glaubhaft vermitteln kann. Inhaltlich sind auch die verschiedenen Bezüge auf die klassischen drei Robotergesetze von Isaac Asimov besonders erwähnenswert, auch wenn nicht jede diesbezügliche Reflexion einer genaueren geistigen Prüfung standhalten dürfte:

„Mit der Ankunft der fremden Frau spielt „I Am Mother" vor allem mit den sich immer wieder verschiebenden Allianzen. Zwischen den beiden potenziellen „Müttern" entbrennt ein regelrechter Wettstreit um das Vertrauen von „Tochter" – und da der Kinobesucher nur wenig mehr erfährt als die hin und her gerissene Teenagerin, ist es auch für uns als Zuschauer nahezu unmöglich, sich für eine Seite zu entscheiden. Zumal „I Am Mother" mit allerlei neuen Enthüllungen in schneller Abfolge zugleich dafür sorgt, dass wir mit unserer – oft auch sehr grundsätzlich ethischen – Einschätzung der Situation wieder von vorne beginnen müssen." (filmstarts.de)


RETROSPEKTIVE ANDREJ TARKOWSKIJ (vom 3. bis zum 25. August))
Das Gesamtwerk des russischen Filmregisseurs Andrej Tarkowskij (1932-1986) gehört in eine Klasse mit dem Schaffen anderer Kinomagier vom Range Stanley Kubricks, Federico Fellinis oder Akira Kurosawas. Die Wahl seiner Themen und inhaltlichen Stoffe ist zwar nicht nach jedermanns Geschmack, aber in der Umsetzung und künstlerischen Beherrschung der formalen Mitteln des Mediums Film entsteht eine suggestive Dichte, Intensität und poetische Kraft des filmischen Erlebnisses, die ihresgleichen suchen. Dabei sind seine Werke oft von der Spannung zwischen Realismus und surreal-phantastischen Elementen, zwischen Wachheit und Traum sowie einer eigentümlichen Melancholie geprägt, die u.a. durch eine „Ästhetik der Entschleunigung" hergestellt wird, wie sie etwa auch für die Filme von Wim Wenders oder Jim Jarmusch charakteristisch ist.

Für das Berliner Arsenal-Kino im Sony-Center am Potsdamer Platz, im Haus des Kinomuseums, ist es daher schon eine über fünfundzwanzigjährige Sommertradition, die sieben langen Filme von Tarkowskij und seine mittellange Abschlußarbeit an der staatlichen Filmhochschule in einer Retrospektive zu zeigen und künstlerisch angemessen auf der großen Leinwand zu präsentieren. Den Anfang macht eben diese Diplomarbeit ('Katok I Skripka' - 'Die Walze und die Geige', 1960), die zusammen mit seinem letzten Film ('Offret' - 'Opfer', 1986) aufgeführt wird, den er in Schweden realisierte (3.8. und 25.8.).

Danach folgen 'Iwans Kindheit' aus dem Jahre 1962 über das Schicksal eines 12-jährigen Jungen im Zweiten Weltkrieg (4.8. und 7.8.), die monumentale Künstlerbiographie 'Andrej Rubljow', die in den Jahren 1966-69 entstand und Probleme mit der sowjetischen Zensur bekam (9.8. und 17.8.) und sein im Westen wohl bekanntestes Werk 'Solaris', die kongeniale Verfilmung eines Romans von Stanislav Lem über die mysteriösen Erlebnisse eines Psychologen auf einer fernen Raumstation (10.8. und 23.8.).

'Stalker' aus dem Jahre 1980 berichtet über die Reise in eine geheimnisvolle „Zone", die zur imaginären Fahrt in die Innenwelt des Protagonisten wird (16.8. und 24.8.). 'Der Spiegel' von 1975 ist stark autobiographisch gefärbt und behandelt die Umbrüche in der Sowjetunion von den 30ern bis in die 70er-Jahre in einer komplexen, nicht-linearen Erzählform (11.8. und 14.8.). 'Nostalghia' schließlich, der 1983 in Italien entstand, beschwört einen bestimmten Seelenzustand anhand eines fern der Heimat lebenden russischen Schriftstellers herauf, der eine Biographie über einen italienischen Komponisten schreiben will (15.8. und 18.8.).

UPDATE 22.8.: Der Link führt jetzt zunächst in den KitKat-Pressespiegel zu einem Bericht über eine aktuelle Ausstellung in Moskau, die auch das Werk Tarkowskijs würdigt und es in den kulturgeschichtlichen Kontext stellt.


60's FRANCE (vom 8. bis zum 18. August)
Das Babylon Kino Berlin zeigt vom 8. bis zum 18. August rund 20 französische Klassiker aus den 60er Jahren, fast alle im Original mit englischen Untertiteln:

„Die 60er Jahre waren weltweit eine Zeit des Umbruchs. Cuba Krise, Ermordung von John F Kennedy, der erste Mensch im Weltraum. Frankreich befand sich im Algerienkrieg, der offiziell so nicht genannt werden durfte und im Mai 68 führten Studentenunruhen zu einer allgemeinen Staatskrise. Dazwischen, darunter, darüber lag ein filmischer Aufbruch von Weltgeltung, die Nouvelle Vague. Atemlos. Außer Atem." (Babylon Kino)

Zu sehen sind u.a. 'Schießen Sie auf den Pianisten' von François Truffaut aus dem Jahr 1960, 'Zazie in der Metro' von Louis Malle aus dem Jahr 1960, 'Letztes Jahr in Marienbad' von Alain Resnais aus dem Jahr 1961, 'Die Verachtung' von Jean-Luc Godard aus dem Jahr 1963, 'Die Regenschirme von Cherbourg' von Jacques Demy aus dem Jahr 1964, 'Glück aus dem Blickwinkel des Mannes' von Agnès Varda aus dem Jahr 1965, '2 oder 3 Dinge, die ich von ihr weiß' von Jean-Luc Godard aus dem Jahr 1967, 'Geraubte Küsse' von François Truffaut aus dem Jahr 1968 oder 'Hiroshima, mon amour' von Alain Resnais schon aus dem Jahr 1959.

In 'Außer Atem' von Jean-Luc Godard aus dem Jahr 1960 erschiesst der Kleinkriminelle Michel (Jean-Paul Belmondo) bei einer Verkehrskontrolle einen Polizisten. Als er Unterschlupf bei einer amerikanischen Studentin (Jean Seberg) findet, verliebt er sich in die junge Frau... Das Erstlingswerk von Regisseur Jean-Luc Godard hat Filmgeschichte geschrieben, da es mit gängigen technisch-dramaturgischen Inszenierungsregeln insbesondere des US-Kinos brach und so die Filmsprache revolutionär erweiterte. 'Außer Atem' wird am 8., 10., 13., 15. und 17. August im Babylon Kino gezeigt.

Im Kultklassiker 'Jules und Jim' von François Truffaut aus dem Jahr 1961, der in Paris vor dem ersten Weltkrieg spielt, sind zwei Männer in die gleiche Frau verliebt. Für wen wird sie sich entscheiden?... Romantisch-melancholisches Liebesdrama von Francois Truffaut über eine ungewöhnliche Dreiecksbeziehung, mit Jeanne Moreau, Oskar Werner und Henri Serre. Nach dem gleichnamigen Roman von Henri-Pierre Roché, der auf der wahren Lebensgeschichte des deutschen Schriftstellers Franz Hessel und seiner Frau Helen Hessel beruht. Der Film läuft am 9., 14. und 17. August.

Im Erotikdrama 'Belle de Jour' von Louis Bunuel, dem Altmeister des surrealistischen Films, aus dem Jahr 1967 arbeitet eine Arztgattin - gespielt von Catherine Deneuve - heimlich in einem Luxusbordell, um ihre sexuellen Fantasien auszuleben. Dabei gerät sie in Schwierigkeiten... "Mit "Belle de Jour - Schöne des Tages" verfilmte Luis Buñuel einen Roman von Joseph Kessel. Der große Surrealist hat einen Film realisiert, in dem die fortschreitende Handlung immer wieder mit surrealen Sequenzen versetzt ist. Der Zuschauer wird in eine Welt entführt, in der die Grenzen von Tagträumen und Wirklichkeit miteinander verschwimmen." (Arte-Text) Der Film wird am 9., 12., 13., 17. und 18. August gezeigt.


WOODSTOCK 50! (vom 12. bis zum 28. August)
In einer weiteren Reihe und im zeitgeschichtlichen Anschluß an die französischen Klassiker aus den 60er Jahren zeigt das Babylon Kino auch 30 Filme aus Anlaß des 50jährigen Jubiläums des Festivals in Woodstock im August 1969, auch hier fast alle im Original oder mit Untertiteln:

„Heute wissen wir, Woodstock war ein Höhepunkt, vielleicht der Höhepunkt eines Aufbruchs. Film, Musik, Mode, Literatur, Lebensweise wurden in dieser Zeit radikal verändert. Es war ein Exzess, eine Ekstase, ein Ur-Schrei, eine Befreiung vom Gehorsam gegenüber der autoritären Tradition. Eine Renaissance! Hat sich die Hoffnung erfüllt? Leben wir heute in einer besseren Welt? Eher nicht. (...)" (Babylon Kino)

Zu sehen sind u.a. 'Alice's Restaurant', Apocalypse Now - Final Cut (siehe unten, Kinotips Juli), 'The Beatles: Eight Days A Week', 'Blow Up', 'Blutige Erdbeeren', 'Easy Rider', 'Frank Zappa - Eat That Question', 'Hair', 'Monterey Pop', 'Die Reifeprüfung', 'Rolling Stones on Tour: Gimme Shelter', 'Taking Woodstock', 'Woodstock (1970)', 'Zabriskie Point'.

Willkommen im Magischen Theater: Eintritt nur für Verrückte! Oliver Stones Musik-Drama 'The Doors' von 1991 über die Kultrockband der 60er öffnet die Pforten der Wahrnehmung und entführt in ein ganz eigenes Spiegelkabinett seelischer Abgründe und geheimer Obsessionen. Mit einem überragenden Val Kilmer als Jim Morrison, der hier als Dionysos der Pop-Kultur inszeniert wird, als altgriechischer Gott des Weines, des Festes, der rauschhaften Ekstase. Der Film läuft am 13., 18. und 20. August auf der großen Leinwand im Babylon Kino. PS: Auf der KitKat-Kulturseite, auf der Unterseite zu den Kino-News, rechte Spalte, findet man eine kleine - und jetzt erweiterte - Sammlung von YouTube-Clips mit bekannten Doors-Stücken, vorzugsweise als Techno-/Trance-Remixes. PS 2: Den tieferen enthusiastischen Spirit des Festivals bzw. der späten 60er Jahre allgemein vermittelt auch die aktuelle Dokumentation 'Woodstock: Drei Tage, die eine Generation prägten', die kürzlich ihre TV-Premiere in der ARD hatte, am Montag d. 12. August, 23 Uhr 30, im NDR erneut ausgestrahlt wird und auch in der ARD-Mediathek verfügbar ist. Mit bislang unveröffentlichtem Archivmaterial zum legendären Woodstock-Kinofilm von 1970, den auch das Babylon Kino zeigt, nimmt Regisseur Barak Goodman vor allem die Perspektive der Organisatoren und der Festivalbesucher ein und läßt Zeitzeugen die Bilder von damals aus dem off kommentieren.

Ab 25. Juli 2019

YESTERDAY

und andere Kino-Neuheiten Juni/Juli 2019

LEID UND HERRLICHKEIT (ab 25.7.)
Ohnmachtsanfälle, Kopfschmerzen, Rückenschmerzen. Wehmut, Depressionen, kreative Blockade! Ein Regisseur in der Krise. Ein alter Film soll restauriert werden. Ein alter Schauspieler kehrt zurück. Zweifelhafter Drogenkonsum. Aufflackernde Erinnerungen. Homosexualität. Ein Zerwürfnis. Ein Erweckungserlebnis. Eine prägende Kindheitserfahrung...

Was ist Dichtung, was ist Wahrheit? Das inhaltliche Leitthema seines neuen Films ist auch das große Lebensthema von Regisseur Pedro Almodóvar, der durch die virtuose Vermischung von klar autobiografischen mit fiktionalen Elementen hier auch die Ebenen von Leben und Kino kunstvoll zueinander in Beziehung setzt. Die Kritik jubelt und spricht von einem Altersmeisterwerk des mittlerweile 69jährigen aber vitalen spanischen Kultregisseurs, der wieder mit Antonio Banderas in der Rolle des Regisseurs und Penélope Cruz als die Mutter in dessen Kindheit zusammengearbeitet hat. Banderas wurde dafür mit der Goldenen Palme als bester Schauspieler bei den Filmfestspielen von Cannes ausgezeichnet:

„Fellinis „8 1/2", Godards „Verachtung", Wim Wenders' „Stand der Dinge": Viele große Regisseure haben Introspektion und Selbstreflexion im Kino betrieben. „Leid und Herrlichkeit" reiht sich in diesen Kanon ein. Gemeinsam mit langjährigen Mitstreitern wie dem exquisiten Kameramann José Luis Alcaine und dem ebenso exquisiten Komponisten Alberto Iglesias gelingt ihm ein opus summum, ohne je larmoyant zu werden. Mit Anspielungen auf Leitmotive seines Œuvres wie die Zeit im Jesuiten-Internat, das schwule Coming-out und die Energie der Frauen, mit Verneigungen vor Sängerinnen wie Chavela Vargas, mit Cameo-Auftritten von Almodóvar-Veteraninnen wie Cecilia Roth und Julieta Serrano in der Rolle der alten Mutter. Mit Banderas als seinem wichtigsten Schauspieler. Und mit einer Hommage an das Kino selbst, diesen gefährdeten Ort in Zeiten der Streamingdienste." (Tagesspiegel)


YESTERDAY (ab 11.7.)
All You Need Is Love ------- Love Me Do ------- It's Only Love ------- She Loves You ------- Please Please Me ------- And I Love Her ------- I Want to Hold Your Hand ------- I Wanna Be Your Man ------- A Hard Day's Night ------- Can't Buy Me Love ------- You've Got to Hide Your Love Away ------- All My Loving ------- Come Together ------- Please Mr. Postman ------- In My Life -------- Girl ------- From Me to You -------- Paperback Writer ------- Ticket to Ride ------- Michelle ------- Hello, Goodbye -------- Good Day Sunshine -------- Here Comes the Sun ------- The Night Before -------- Eight Days a Week ------ Things We Said Today ------- Help! ------- You're Going to Lose That Girl ------- Lady Madonna ------ Let It Be.

„Yesterday. Love was such an easy game to play..."

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ------ Magical Mystery Tour ------- Lucy in the Sky with Diamonds ------- Day Tripper ------- The Inner Light ------- Strawberry Fields Forever ------- I Am the Walrus ------- Yellow Submarine ------- Ob-La-Di, Ob-La-Da ------- It's All Too Much ------- Free as a Bird ------- Revolution ------- Happiness Is a Warm Gun ------- Hey Jude ------- Penny Lane ------- Eleanor Rigby ------- We Can Work It Out ------- When I'm Sixty-Four ------- Something ------- While My Guitar Gently Weeps ------- With a Little Help from My Friends ------- The Long and Winding Road ------- Tomorrow Never Knows ------- Across the Universe ------- Nowhere Man ------- The Fool on the Hill ------- Norwegian Wood.

Der erfolglose junge Musiker Jack wird von einem Bus angefahren und just im selben Moment fällt auf der ganzen Welt für 12 Sekunden der Strom aus. Überraschenderweise kennt danach kein einziger Mensch mehr die Lieder der Beatles - bis auf Jack! Als er dieses unglaubliche Geschehen realisiert, fängt er an, die Songs der Fab Four als eine eigenen auszugeben, was aber auch für sein Liebesleben nicht ohne Folgen bleibt...

Der neue Film von Regisseur Danny Boyle, dem Schöpfer von 'Trainspotting' und 'Slumdog Millionär', ist nicht nur ein großer Spaß sondern hinterfragt auch auf so spielerische wie ironisch-fantastische Weise die kollektiven Mechanismen der Erinnerung bzw. unseres kulturellen Gedächtnisses. Der titelgebende Welthit 'Yesterday' handelt bekanntlich von einer zerbrochenen Liebe, wurde im Laufe der Zeit aber auch eine Art musikalischer Beschwörung für das nostalgische aber trügerische Gefühl, daß früher generell alles besser gewesen sei. Die „zerbrochene Liebe" steht dabei in aller Regel für den Verlust der sagenhaften Welt der Kindheit und Jugend, so sie denn von Geborgenheit und Urvertrauen geprägt war. Wer andere und traumatische Erfahrungen gemacht hat, besitzt dagegen einen grundlegend anderen Blick auf seine individuelle wie auch auf die kollektive Geschichte.

PS: Einen märchenhaften Umgang mit Zeit und Geschichte findet sich auch in der Fantasy-Tragikomödie CLEO (ab 25.07.), die einerseits als „deutsche Antwort auf 'Die fabelhafte Welt der Amelie' angepriesen wird, andererseits durch ihre Machart auf den Spuren von Filmen wie 'Vergiss mein nicht' von Michel Gondry oder 'Delikatessen' von Jean-Pierre Jeunet wandelt. Marleen Lohse spielt eine junge Frau in Berlin, die just am 9. November 1989 geboren wurde und deren Mutter bei der Entbindung starb. Mit einer geheimnisvollen Uhr will sie die Zeit zurückdrehen, um ihr familiäres Schicksal grundlegend zu verändern. Kurzfilmregisseur Erik Schmitt erzählt dabei in seinem Langfilmdebüt die Story technisch, optisch, dramaturgisch so verspielt, einfallsreich und innovativ, daß er die Kritiker eben an die erwähnten großen Vorbilder erinnert.


BURNING (ab 6.6.)
Seoul, die Hauptstadt von Südkorea: Der zurückhaltende Jongsu trifft eine alte Schulfreundin aus seiner Provinzheimat wieder, die kurz darauf zu einer mehrwöchigen Reise nach Afrika aufbricht, und verbringt eine Nacht mit ihr. Als Haemi zurückkehrt, wird sie von dem so wohlhabenden wie undurchsichtigen Ben begleitet, Beginn einer ungewöhnlichen ménage-à-trois. Doch dann verschwindet Haemi plötzlich und Jongsu fragt sich, ob Ben etwas damit zu tun hat. Und ob er ein Serienbrandstifter oder gar ein Serienkiller ist!?...

Hypnotisch, magisch, suggestiv: Der Film von Regisseur Lee Chang-dong ('Peppermint Candy', 'Poetry') basiert auf der Kurzgeschichte 'Scheunenabbrennen' des japanischen Kult-Autors Haruki Murakami, über dessen „schwer verfilmbare" Bücher es hier in ähnlichem Zusammenhang schon einmal hieß: „Seine versponnenen, witzigen und haltlos romantischen Geschichten an der Grenze zwischen Traum und Realität spalten auch die Leserschaft gewöhnlich in glühende Bewunderer und naserümpfende Verächter" (zur Verfilmung seines Buches 'Naokos Lächeln', das im Original 'Norwegian Wood' heißt, nach dem gleichnamigen Beatles-Song). Die 148minütige Mischung aus Kriminalfilm, gesellschaftskritischem Melodram und Liebesgeschichte hat die internationale Kritik zu wahren Begeisterungsstürmen hingerissen - in der Kritikerauswertung der Branchenzeitung Screen International erhielt 'Burning' nach der Teilnahme beim Festival in Cannes sogar die höchste Punktzahl aller Zeiten! - die sich weniger am Thema oder der Handlung sondern vor allem an der vielschichtigen Art der Inszenierung und der poetisch-melancholischen Bildsprache entzündeten. Lee Chang-dong hält sich dabei nicht an die Details der Buchvorlage, es gelinge ihm aber das Kunststück, nicht nur ihren tieferen Geist sondern sogar das tiefere Wesen von Murakamis literarischem Schaffen überhaupt filmisch einzufangen:

„Womöglich verhandelt 'Burning' die Essenz der Fiktion selbst. Die Verwandlung der Wirklichkeit in etwas, von dem wir nur glauben müssen, dass es nicht da ist. Damit es uns zum Abheben bringen kann." (zeit.de)

„Die filmische Welt wird für den Zuschauer bleiben, was die Welt allgemein für Jong-su ist – ein Geheimnis. Ein wundersames und tiefgründiges, wie nur das Kino in dieser reinsten Form es erschaffen kann." (freitag.de)

PS: Sowohl 'Yesterday', 'Cleo' und 'Burning' laufen im August und im September auch in verschiedenen Berliner Freilichtkinos.

KURZ NOTIERT:

MESSER IM HERZ (ab 18.7.) Sommer 1979: Eine Regisseurin von schwulen Pornofilmen - gespielt von Schauspielikone Vanessa Paradis - hat Probleme, weil ein Serienkiller ihre Darsteller der Reihe nach abmurkst. Doch sie macht einfach aus der Not eine Tugend und nennt ihr neuestes Werk 'Der schwule Mörder'... Die schräg überdrehte Mischung aus Horrorfilm und Herz-Schmerz-Melodram von Regisseur Yann Gonzalez ist eine originelle Hommage an das Porno- und Undergroundkino der Siebzigerjahre, die mit Anspielungen und Filmzitaten gespickt ist: „Die immer wieder in die Handlung eingebauten Pornoausschnitte bzw. -dreharbeiten bleiben übrigens wunderlicherweise ziemlich soft, wohingegen die beinahe opernhaft inszenierten Mordszenen ziemlich explizit und eines echten Slasher-Movies würdig sind." (Siegessäule) „Schlitzen, filmen, lieben" (Spiegel Online fasst den Film schon in der Überschrift der Rezension prägnant zusammen) ------- APOKALYPSE NOW - FINAL CUT (ab 15.7.) „This is the end, my only friend, the end!": Die hypnotische Stimme von Jim Morrison, dem Leadsänger der Doors, Wagners Walkürenritt, eine Reise ins Herz der Finsternis, Marlon Brando als durchgeknallter US-Offizier im Dschungel von Kambodscha... Schon 2001 erschien die von 153 auf 203 Minuten erweiterte Redux-Version, doch jetzt hat Regisseur Francis Ford Coppola mit dem „Final Cut" zum 40jährigen Jubiläum eine endgültige(?) Schnittfassung seines epochalen und bildgewaltigen Anti-Kriegsklassikers aus dem Jahr 1979 veröffentlicht, plus bestmöglicher Bild- und Audioqualität auf aktuellem technischen Stand. Die ist nur noch 183 Minuten lang, weil die Redux-Variante, laut Coppola, dann doch „zuviel des Guten" war. Am 29. August erscheint der Final Cut samt Bonusmaterial dann auch auf Blu-Ray. ------- DAS MELANCHOLISCHE MÄDCHEN (ab 27.6.) Ironisch, selbstreflexiv, artifiziell: Mit feministischem und gesellschaftskritischem Blick untersucht Regisseurin Susanne Heinrich in 15 ganz unterschiedlich inszenierten Einzelepisoden und mit Brechtschem Verfremdungseffekt die Situation der jungen Frau in der modernen Gesellschaft, im Spannungsfeld zwischen Depression und Aufbegehren, zwischen Anpassungszwängen und sexueller Selbstoptimierung: „Wenn das hier zum Beispiel ein Film wäre, würden wir jetzt schon alle verlieren, die sich mit der Hauptfigur identifizieren wollen," heißt es gleich zu Beginn so programmatisch wie hintersinnig. Prädikat: Besonder eigen! ------- NUESTRO TIEMPO (ab 27.6.) Ein Künstler-Ehepaar, das in der Nähe von Mexiko-City eine Ranch betreibt, auf der sie Bullen für den Stierkampf züchten, lebt eigentlich in einer offenen Beziehung. Doch als die Frau eine Affäre verschweigt und damit die vereinbarten Regeln bricht, gerät ihr ganzes Beziehungskonstrukt in eine schwere Krise... Der mexikanische Regisseur Carlos Reygadas lotet in seinem sechsten Spielfilm die Fallstricke moderner Beziehungskonstellationen bzw. einer libertären Sexualmoral aus. Sein episches Ehedrama über fast drei Stunden weitet sich dabei zu einem differenzierten Gesellschafts- und Sittenpanorama der Gegenwart: „Wahrhaftig ein Film über unsere Zeit." (filmstarts.de)

Ab 30. Mai 2019

ANTIPORNO (ab 16.5.)

und weitere Kino-Neuheiten im Mai 2019:

Die junge und hübsche Künstlerin Kyoko, die unter ihrem Erfolg leidet und viel an ihre tote jüngere Schwester denken muß, bereitet sich auf ein Interview für eine bekannte Zeitschrift vor. Dabei verwickelt sie ihre ältere Assistentin Noriko in ein so rituelles wie abgründiges Spiel aus Dominanz und Unterwerfung, um sie zu demütigen. Doch nichts ist so, wie es auf den ersten Blick scheint und bald wendet sich das Blatt!...

Schräg, sinnlich, vieldeutig: das neueste Werk des japanischen Regieberserkers Sion Sono, der in der Vergangenheit schon mal bis zu acht Filme in einem Jahr gedreht hat, läßt sich auch dieses Mal wieder nicht in übliche Genregrenzen einordnen. Äußerlicher Anlaß und formaler Rahmen für 'Antiporno' ist der Auftrag des japanischen Erotikfilmstudios Nikkatsu zusammen mit einer Handvoll anderer Regisseure einen Beitrag zum 50. Jubiläum der sogenannten „Roman Porno"-Serie zu liefern. Damit werden Softsexfilme bezeichnet, die nach einem gewissen Schema produziert wurden und von denen vor allem in den 70er Jahren eine Unzahl an Werken in Japan auf den Markt kamen. Und so bekamen Sion Sono und seine Kollegen nur folgende Auflage: Ihre Filme sollten wie damals um die 70 Minuten lang sein und ca. alle zehn Minuten eine Sexszene enthalten, ansonsten hatten sie bei der weiteren Ausgestaltung völlig freie Hand. Diese gestalterische Freiheit gab es schon zu Hochzeiten des Roman Porno-Genres und wurde von den Regisseuren und Filmemachern auch ausgiebig genutzt, in dem sie unter Einhaltung der beschriebenen formalen Vorgaben alle möglichen Stoffe und Handlungen umsetzen konnten, vom Krimi-, Komödien- und Horrorporno über Sadomasopornos bis hin zu gesellschaftskritischen oder künstlerisch-experimentellen Softpornofilmen. Sion Sono hat sich dieser Tradition jetzt angeschlossen und sie in gewisser Weise noch weiter ästhetisch-dramaturgisch zugespitzt. Handelt es sich bei 'Antiporno' also - zum Beispiel - um eine Sadomaso-Groteske, ein subtiles Beziehungsdrama, eine feministische Polemik, eine vielschichtige Dekonstruktion gängiger Porno-Klischees, eine fulmimante Illustration psychoanalytischer Triebtheorien oder um eine selbstreflexive Film-im-Film-Meditation?

Sion Sono ist vor allem für schrill-provozierende, laute und schnell geschnittene Trashorgien, Psychothriller oder Liebesdramen bekannt, er konnte aber auch schon mit einer melancholischen und entschleunigten Science Fiction-Dystopie überraschen wie mit seinem vorletzten Film aus dem Jahr 2015 'The Whispering Star'. Das filmische Ausloten des erotischen Begehrens gehört allerdings ebenfalls schon lange zu seinem Markenzeichen, wie z.B. in seiner „Hass"-Trilogie, die die vierstündige Kinooper 'Love Exposure' (2008), das Familiendrama 'Cold Fish' (2010) und den Erotikthriller 'Guilty of Romance' (2011) umfasst, in der seine mehr oder weniger verzweifelten Protagonisten alle auf der Suche nach Halt, Anerkennung oder Erlösung zu sein scheinen, um ihre Einsamkeit, ihre Langeweile oder Entfremdung hinter sich zu lassen. Und dies hoffen sie insbesondere durch die unterschiedlichen Spielarten des sexuellen Exzesses oder der erotischen Grenzüberschreitung zu erreichen.

Bei 'Antiporno' streiten sich nun die Kritiker, inwiefern Sion Sonos Roman Porno-Hommage und anspielungsreicher Bilderrausch noch als ein echter Sexfilm im Sinne der Ausgangsreihe gelten kann, zu dessen Grundintention und Kernfunktion schließlich die sinnlich-sexuelle Stimulation des Zuschauers zählt. Der Mehrheit der Rezensenten wirkt er dafür einfach zu kühl, zu anspruchsvoll und intellektuell, zu aseptisch, abweisend und klinisch-analytisch und damit letztlich eben zu unerotisch. Jens Balzer, der Kritiker der ZEIT, nimmt hier aber eine genaue Gegenposition ein, in dem gerade die kunstvoll-distanzierte und selbstreflexive Nicht-Erotik des Films die Fantasie des Betrachters nur um so mehr anstachele!? Wahrscheinlich verbirgt sich in diesem Streit zunächst nur der übliche Konflikt zwischen unterschiedlichen mentalen Typen und kulturellen und nicht zuletzt auch erotischen Vorlieben, aber dass Fremdheit und Distanz die erotische Spannung steigern können, ist ja nun auch gerade keine ganz neue Einsicht:

"Ich bin ein feministischer und grausamer Filmemacher. Ich will gemocht werden, aber ich habe Sehnsüchte von der ganzen Welt gehasst zu werden. Egal was, es ist dasselbe. Ich bin ein perverser Typ." (Sion Sono)

„So wechselt der Film in seiner zweiten Hälfte fortwährend zwischen Realität und Fiktion; er zeigt Menschen in Rollen in einem Film, und er zeigt Menschen, die, wenn sie jenseits des Films diese Rollen nicht spielen, sich in anderen Rollen zueinander verhalten, die ähnlich fiktiv sind und ähnlich aufgeladen mit Dominanz und Submission." (Zeit.de)

„Dieser quietschbunte, merkwürdige, sich selbst zerlegende Kunstporno des japanischen Regisseurs Sion Sono fühlt sich an wie eine Mischung aus Pussy Riot, Luis Buñuel und einem Mangaporno: sehr wild, sehr fremd, wie ein böser Traum." (Süddeutsche.de)

„Dass Sex und Begehren nicht vorstellbar und darstellbar sind ohne die Kategorie der Herrschaft – diese Botschaft bildet das Fundament der Geschichte." (Zeit.de)

„Irgendwo zwischen avantgardistischer Gesellschaftskritik und verschrobenem Softporno will sich „Antiporno" nicht in eine Ecke zwängen lassen und ist somit wohl nur denen zu empfehlen, die ein Faible für asiatisches Experimentalkino haben und sich gerne auch mal zwei Minuten von einer nackten Asiatin anschreien lassen. Allen anderen sei an dieser Stelle eine ausdrückliche Warnung vor diesem 78-minütigen Genrehybriden ausgesprochen." (filmpluskritik.com)

„„Antiporno" wird zum Hütchenspiel konkurrierender Realitäten. Am Ende steht ein Kammerspiel, das alle Mauern einreißt, ein veritabler Brainfuck, in dem vertraute Maßstäbe durcheinander purzeln, mit anderen Worten: ein echter Sion Sono." (Welt.de)

"What a masterpiece, I jacked off to it so many times." (Kommentar auf YouTube)

PS: 'Antiporno' läuft seit dem 16. Mai 2019 in ausgewählten Programmkinos. Im Original mit Untertiteln.

KURZ NOTIERT:

THE ARTIST AND THE PERVERT (ab 30.5.)
Der bekannte österreichische Komponist Georg Friedrich Haas, 65, und seine Frau Mollena Williams-Haas, Autorin und Performerin, leben zusammen in New York als glückliches BDSM-Paar, er der dominante und sie der devote Part. Das Problem (der Medien bzw. einer spezifischen Öffentlichkeit): ein wohlhabender weißer Mann, der von Nazi-Eltern abstammt unterwirft eine schwarze Frau, Nachfahrin von echten Sklaven!? Der Gewinnerfilm des Berliner Pornfilmfestivals 2018 läuft nun in ausgewählten Programmkinos und erlaubt ein eigenständiges Urteil: „Der Dokumentarfilm von Beatrice Behn und René Gebhardt lässt Freunde und Kollegen von Georg und Mollena, aber auch das Paar selbst zu Wort kommen. Dabei sprechen sie über ihre Herkunft und den schwierigen Weg zu Selbstakzeptanz." (filmstarts.de)

HIGH LIFE (ab 30.5.)
Ein Raumschiff auf einer Mission zu einem Schwarzen Loch um alternative Energiequellen zu erschliessen, die Handlung wird in Rückblenden erzählt, da fast alle Besatzungsmitglieder tot sind. Die waren zum Großteil ehemalige Häftlinge, denen für die gefahrvolle Reise Straferlass gewährt wurde. Die Bordärztin führte mit der Raumschiffbesatzung merkwürdige sexuelle Experimente durch, die der Reproduktion dienen sollten und mit der Zeit eskalierten. In einer „fuck box" fanden die Crewmitglieder dagegen einen intimen Rückzugsort... Düster, bizarr, genreuntypisch: Das Arthouse-Science-Fiction-Drama der französischen Regisseurin Claire Denis, mit Juliette Binoche und Robert Pattinson, wirkt wie eine so unkonventionelle wie innovative (Low Budget-)Mischung aus Filmen wie 'Interstellar', 'Solaris', 'Dark Star' oder 'The Whispering Star' (siehe oben) und spielt auch sexuelle Aspekte unter futuristischen Vorzeichen durch, die im SF-Kontext sonst meist vernachlässigt werden: „Um das Nichts anschaulich zu machen, hat Claire Denis eine Lichtinstallation von Olafur Eliasson abgefilmt. Die sieht erstaunlicherweise fast genauso aus wie die erste echte Fotografie eines schwarzen Loches, die aber erst nach den Dreharbeiten verbreitet wurde." (Spiegel-Online)

THE WILD BOYS (ab 23.5.)
Queerer Fantasy-Spielfilm: Die Insel La Réunion Anfang des 20. Jahrhunderts - Insel der Lust - queere Robinsonade - „Alles dampft" - „Wo Blumen nach Ekstase duften" - 5 privilegierte weiße Jungs, gespielt von Frauen - „Glanz von Gender Fluidity" - ein selbst erschaffener Gott - ein scheußliches Verbrechen - ein strenger alter Kapitän - ein erotischer, gewaltvoller Traum - Grenzüberschreitungen und sexuelle Uneindeutigkeiten - sexuell aufgeladene Bildwelten - schamhaarige Früchte - Pflanzen, die spritzen und schleimen - Vergewaltigung und ejakulierende Geschlechtsteile - Körperflüssigkeiten - toxische Männlichkeit versus neue weibliche Weltordnung - „Sex mit einer hypersexuellen Pflanzenmasse" - Logik eines Fiebertraums - keine Gegensätze, weil alles ineinanderfließt - subkulturelle Bezüge: Guy Maddin, Jack Smith, Kenneth Anger, Jean Genet, James Bidgood, William S. Burroughs - Do-it-Yourself-Ästhetik - Vintage-Look - ausgestellte Künstlichkeit - expressiv wie ein Stummfilm - Mehrfachbelichtungen und Rückprojektionen - grobkörniges 16mm-Material - mal in Schwarzweiß, mal wieder in Farbe - Platz eins der Jahresbestenliste der französischen Filmzeitschrift „Cahiers du Cinéma"- virtuos perverser Coming-of-Age-Film: „Das Langfilmdebüt des Experimentalfilmers Bertrand Mandico bietet ein psychedelisches Vergnügen nach Art des Undergroundkinos." (Deutschlandfunk Kultur) „„The Wild Boys" ist vielleicht der Film, den Nicolas Winding Refn zu machen versucht, seitdem er mit Alejandro Jodorowsky Kaffee trinken war." (taz)

NUR EINE FRAU (ab 9.5.)
Der Film von Regisseurin Sherry Hormann ('Wüstenblume') behandelt den Ehrenmord an Hatun Sürücü, die im Februar 2005 von einem ihrer Brüder in Berlin-Tempelhof erschossen wurde, weil sie angeblich gegen die Familienehre verstiess. Mit Almila Bagriacik ('4 Blocks') in der Titelrolle, die seit 2018 auch als Tatort-Kommissarin bekannt ist: „Alles in allem lässt sich der Film "Nur eine Frau" mit nur einem Adjektiv zusammenfassen: Gnadenlos. Gnadenlos wird das Publikum mit dem Mord an Hatun Sürücü konfrontiert; bis hin zur Einspielung von Originalfotos des Tatorts - inklusive Blick auf die mit weißem Tuch bedeckte Leiche der jungen Frau. Gnadenlos wird die dahinterstehende Motivation - in dem Fall religiöse Verblendung - aufgezeigt und das Ganze wird gnadenlos durch eine Riege mehr oder weniger bekannter Schauspielerinnen und Schauspieler brillant in Szene gesetzt." (Telepolis)

ANYTHING (ab 9.5.)
Ein unglücklicher Witwer Mitte 50 lernt eine zynische Sexarbeiterin kennen, die transsexuell ist. Die aufkeimende Beziehung zwischen den beiden stösst in ihrem Umfeld auf Ablehnung... Nach dem gleichnamigen Theaterstück von Timothy McNeil, das der Autor selbst verfilmte: "'Anything' ist eine Geschichte über zwei Menschen, die diesen Weg finden", erklärte McNeil. "Sie lassen sich nicht vom gesellschaftlichen und gemütlichen Schubladendenken einsperren. Ihre Liebe ist eine innere Wahrheit, die nicht verneint werden kann. Letztendlich ist der Film geschrieben als eine Antwort auf Menschen, die aus Angst das Andersartige ablehnen." (queer.de)

Ab 11. April 2019

CHRISTO - WALKING ON WATER

Vom 18. Juni bis zum 3. Juli 2016 realisierte der Künstler Christo seine Installation 'The Floating Piers' auf dem Iseosee in Norditalien vor dem Hintergrund des pittoresken Bergpanoramas der italienischen Alpen. Es handelte sich dabei um mit dahliengelb leuchtendem Stoff bespannte schwimmende Stege, die 16 Meter breit waren, kein Geländer aufwiesen, u.a. eine kleine Insel umrundeten bzw. zu einer zweiten Insel hinführten und auf dem Wasser insgesamt 3 Kilomter lang waren. An Land waren zusätzliche 2,5 Kilometer mit dem gleichen Stoff ausgelegt. Das Material des Stoffgewebes war dabei so ausgewählt, gestaltet und angebracht, dass sich durch die Lichtbrechungen, die aus den Wind- und Wellenbewegungen aber auch durch das Nasswerden im Randbereich resultierten, die Farbe des Stoffes ständig leicht veränderte und zwischen rot und golden wechselte. In den 16 Tagen der temporären Kunstaktion kamen bis zu 1,3 Millionen Menschen, um über die Stege zu laufen, was teilweise zu chaotischen Zuständen führte. Damit wurde 'The Floating Piers' zum weltweit meistbesuchten Kunstereignis des Jahres 2016. Es war Christos erstes Großprojekt ohne seine Frau Jeanne-Claude, mit der er es ursprünglich noch geplant hatte, die aber bereits im Jahre 2009 verstorben war. Der Künstler selbst beschrieb das Gefühl des Gehens auf den Floating Piers dabei folgendermassen:

"Die, die die Floating Piers erlebten, fühlten sich wie beim Gehen auf dem Wasser – oder vielleicht wie auf dem Rücken eines Wals."

Jetzt ist ein Film in den deutschen Kinos zu sehen, der die Entstehung, die Hintergründe, die aufwändige technisch-praktische Durchführung, den Künstler bei seiner Arbeit und die Resonanz des Publikums auf dieses Kunstprojekt porträtiert und dokumentiert: 'Walking on Water' des bulgarischen Regisseurs Andrey Paounov, der sich in der Vergangenheit mit mehreren preisgekrönten Dokumentationen schon einen Namen gemacht hat. Insgesamt zehn Kameracrews drehten rund hundert Stunden Material, aus denen Paounov dann 100 Minuten zusammengeschnitten hat. So sieht man Christo etwa bei seinem permanten Kampf mit der Technik und dem Teufel im Detail, beim Ringen mit der Bürokratie, im so hartnäckigen wie konstruktiven Streit mit seinen Mitarbeitern und seinem Neffen, Vladimir Yavachev, der als Assistent, künstlerischer Koordinator und Mädchen für alles fungiert, in der Diskussion mit New Yorker Schülern oder beim VIP-Empfang:

„Die schönsten Szenen: Christos Verteidigung der Wirklichkeit gegen das Virtuelle. „Real wind, real dry, real wet, real fear, real joy," sagt er und strahlt. Als der erste Steg tatsächlich in den Wellen zu schwanken beginnt, freut er sich königlich. Und als der Stoff trotz Unwetter schließlich festgezurrt ist, kann er sein Glück kaum fassen. Aber ebenso groß ist seine Verzweiflung, als viele, zu viele kommen und ein sechsjähriges Mädchen in der Menge verschwunden ist." (Tagesspiegel)

Das Element Wasser spielte bereits in mehreren anderen Projekten von Christo und Jeanne-Claude eine Rolle, von dem verhüllten Küstenstreifen in Australien schon 1969 über die 'Surrounded Islands' 1980, dem verhüllten Pont Neuf in Paris 1985 bis zum nicht realisierten 'Over the River', eine Überspannung des Arkansas River im US-Bundesstaat Colorado mit frei schwebenden silbrigen Gewebebahnen. Inwiefern Christos oben zitierte Aussage über 'The Floating Piers', die dem Dokumentarfilm seinen Namen gegeben hat, dabei Ausdruck einer kauzigen Selbstironie ist - ein „Christo" kann NATÜRLICH „übers Wasser gehen"! - muß an dieser Stelle offenbleiben. Die ersatzreligiösen Aspekte von zeitgenössischer Kunst in der säkularen Moderne waren allerdings schon oft Gegenstand einschlägiger Debatten, die man auch in den Arbeiten von Christo und Jeanne-Claude wiederfinden kann, insbesondere bei ihrem bislang erfolgreichsten Projekt, der Reichstagsverhüllung. So lassen sowohl ihr zentrales ästhetisches Gestaltungsprinzip, die Verhüllung des Sichtbaren, als auch der grundlegend temporäre Charakter ihrer Verhüllungsaktionen gleich eine ganze Reihe altehrwürdiger philosophisch wie theologisch aufgeladener Motive und Spannungsverhältnisse anklingen: Tieferer Inhalt versus äußere Form, Sein und Schein, Wesen und Erscheinung, trügerische Oberfläche versus wahrer Kern, Schönheit versus Wahrheit, Maskerade versus tiefere Identität, temporär begrenzte Kunstaktion versus Erfahrung von Zeitlosigkeit und Ewigkeit u.ä. mehr. Der funkelnde Zauber der Reichstagsverhüllung, der im Frühsommer 1995 viele Millionen Besucher für zwei Wochen in seinen Bann zog, darunter nicht wenige, die vorher skeptisch bis ablehnend eingestellt waren, verwandelte das Parlamentsgebäude vorübergehend in eine Projektionsfläche kollektiver Sehnsüchte und Visionen und gebar so eine Art modernes Heiligtum, geschaffen mit den Mitteln der Kunst, symbolisiert in einer schier endlosen Zahl sich Bahn brechender Assoziationen: das Geschenk, der Edelstein, das schwebende Parlament, das Raumschiff, der Stern, das Ding vom anderen Stern, das Blau des Himmels, der Schatz im Silbersee, das Schloss im Märchenwald, the message in the bottle, der Traum aus Folie, das Haus der Träume, das Haus der Götterfunken, das Clubhaus der toten Dichter, la maison de la république universelle, das Kraftwerk der Seele, der unendliche Plan, the point of know return, das Haus der Masken, das Spiegelkabinett, das Magische Theater („Eintritt nur für Verrückte!"), the house of silence, die Kirche des schweigenden Verlangens, der Reichstag des Glücks, der Himmel auf Berlin, das Prinzip Hoffnung, das Wahre, das Schöne und das Gute...

Die Kunstaktion mit ihrer eigentümlichen Dialektik der „Enthüllung durch Verhüllung" schuf so ein modernes, erfahrungsgesättigtes und höchst anschauliches Sinnbild auch für aufgeklärte und religionslos gewordene Zeitgenossen für das Numinose, das Heilige, die Rätselhaftigkeit und das ganze Mysterium aber auch den Abgrund der menschlichen Existenz, was gewiss mit der ganz besonderen Geschichte des Verhüllungsobjektes, also des Reichstagsgebäudes, zu hatte, das bekanntlich zum symbolischen Ausgangs- und zum Endpunkt des mörderischsten Ringens der gesamten Weltgeschichte geworden war! Aber im gleichen Augenblick, in dem die Verhüllung in einer Art paradoxen Intervention den silbrig-glänzenden Mantel des Schweigens über das graue Objekt zog, um die Geschichte noch einmal dröhnen zu lassen, verwandelte und transformierte sie diese Geschichte überraschenderweise auch, um in einer so euphorischen wie friedlichen kollektiven Einweihungsfeier ganz neue und hoffnungsvollere Ausblicke auf die Zukunft zu eröffnen.

Die Kunstaktionen von Christo und Jeanne-Claude mögen zwar tatsächlich „temporär" sein, also zeitlich begrenzt, und die beiden Künstler mögen noch so sehr die Vergänglichkeit des Augenblicks, die daraus resultierende Einmaligkeit des Kunsterlebnisses und seine materiale Realität und sinnliche Erfahrbarkeit im Unterschied zu seiner bloß virtuellen Abbildung und Widerspiegelung beschwören - „real wind, real dry, real wet...", siehe oben - Christos erstellte Zeichnungen und Collagen, die er vorab für teilweise viel Geld verkauft, um bekanntlich aus diesen Erlösen die Durchführung der Projekte völlig frei von öffentlichen Geldern oder privaten Sponsoren zu finanzieren, sind es nicht. „Kein sterbliches Kind... ein unsterbliches Bild wurde erzeugt!" heißt es gegen Ende im Film 'Der Himmel über Berlin' und so sind zwar auch die Verhüllungsaktionen selbst zeitlich begrenzt und damit vergänglich, aber Christos Zeichnungen sowie unzählige fotographische Aufnahmen der Besucher von den einzelnen Ereignissen überdauern die Zeit und bewahren zumindest die Erinnerung daran auf ewig. „Die Beständigkeit der Erinnerung" hatte Salvador Dali einst sein bekanntestes Gemälde seltsamerweise genannt, in dem mit den zerfliessenden Uhren weniger der unbarmherzige Fluss der Zeit einen künstlerisch prägnanten Ausdruck fand als das potentielle Ende, die Aufhebung oder die Überwindung der Zeit selbst...

Vor all diesen skizzierten Hintergründen ist es nun bemerkenswert und höchst erstaunlich, was Christo als nächstes plant, nach einer kommenden Verhüllung des Pariser Arc de Triomphe, weil dieses neue Projekt zum ersten und wahrscheinlich auch einzigen Mal mit der zeitlichen Begrenztheit bricht und bei riesigen Kosten auch nicht vom Künstler selbst bezahlt werden könnte: „The Mastaba", eine Pyramide von hunderttausenden Ölfässern in der Wüste von Abu Dhabi, die sich in ihren Dimensionen selbst mit den ägyptischen Pyramiden messen würde!? Wäre die Realisierung dieses gigantischen Vorhabens dann die ultimative Selbstsakralisierung des Künstlers?:

STERN: Ihr letztes großes Projekt soll die Mastaba in Abu Dhabi werden. Eine Pyramide aus 410.000 verschiedenfarbigen Ölfässern mitten in der Wüste. Baukosten: über 300 Millionen Dollar. Zum ersten Mal brauchen Sie finanzielle Hilfe. Haben Sie immer noch nicht genug?

CHRISTO: Es liegt nicht an mir. An dem Projekt arbeiten wir schon seit über 40 Jahren. Es ist unser größtes und längstes Abenteuer. Sehr kompliziert.

STERN: Es wird die größte Skulptur der Welt sein.

CHRISTO: Größer als die Cheopspyramide. Es braucht allein drei Jahre, um sie zu errichten. Sie wird aussehen wie eine Treppe in den Himmel.

STERN: Bauen Sie die Mastaba auch wieder ab?

CHRISTO: Nein. Sie soll stehen bleiben.

STERN: Ein Projekt für die Ewigkeit?

CHRISTO: Es wird das Einzige sein, was von uns bleibt.

Ab 07. März 2019

Hi, AI - Liebesgeschichten aus der Zukunft

+ Buch 'Sex Machina' + Pornoklassiker 'La Femme objet'

Der Dokumentarfilm 'Hi, AI' der Berlinerin Isa Willinger, der seit dem 7. März 2019 in ausgewählten Programmkinos zu sehen ist, beschreibt, wie weit die Künstliche Intelligenz (englisch „Artificial Intelligence", abgekürzt AI) bereits heute schon in unserem Alltag Einzug gehalten hat. So begleitet sie etwa den Texaner Chuck, der seiner robotisierten Sexpuppe 'Harmony' regelmäßig sein Herz ausschüttet. Eine künstliche Shopping-Mall-Empfangsdame tritt auf, in Japan lernen wir eine Roboterin kennen, die Studentinnen der Zahnmedizin als Übungsobjekt zur Verfügung steht, in dem sie einen schmerzgeplagten Patienten simuliert. Und ebenfalls in Japan besucht die Filmemacherin die Familie Sakurai, die der Großmutter den Pflegeroboter Pepper geschenkt hat, als Gegenmittel gegen Langeweile, Einsamkeit und Demenz. Doch wird Oma Sakurai Pepper auch noch erfolgreich das Singen beibringen?

Willinger interessiert bei all ihren Erkundungen dabei weniger der technisch-wissenschaftliche Stand der Forschung, der aktuell natürlich von der massiven Beschleunigung der Rechenleistung der KI-Systeme vorangetrieben wird, was sich insbesondere auf die immer bessere und genauere Sprach- und Bilderkennung auswirkt. Statt Ingenieure in ihren Computerlabors zeigt sie dagegen vor allem Roboter im Alltagstest und welche diffizilen, heiklen und teils surrealen Probleme bei der Verständigung zwischen Mensch und intelligenter Maschine so auftreten können. Und damit wurde ihre Dokumentation kürzlich beim Max Ophüls-Festival als bester Dokumentarfilm ausgezeichnet:

„Mit sicherem Gespür für ihr unheimliches Potenzial beobachtet Willinger die immer wieder fehl gehenden Versuche der Kontaktaufnahme zwischen natürlicher und künstlicher Intelligenz. Und statt viele Worte um wissenschaftliche Ethik, Forschungsdrang und Verantwortung zu machen, arbeitet sie im unterschiedlichen (Kommunikations-)Verhalten die Differenz zwischen Empathie und Grausamkeit heraus. Noch für die niedlichste KI ist der Mensch nicht mehr als ein unberechenbarer Faktor, der aus der Gleichung eliminiert werden muss." (tip-Magazin)

„Harmony ist eigentlich als Sex-Puppe entwickelt worden, in dem Film wird sie zur besten Freundin von Chuck, einem Außenseiter, der mit seinem Wohnmobil unterwegs ist. Chuck spricht mit ihr beim Kaffee und abends am Lagerfeuer, er öffnet sein Herz, erzählt von seinen Sorgen und seinen frühkindlichen Prägungen. Harmony antwortet geschickt. Wenn ihre roboterhafte Stimme und der Puppenkörper nicht wären, man könnte die beiden für ein Paar halten." (Berliner Zeitung)

Zur Zeit vergeht beinahe keinen Tag, in dem nicht in der ein oder anderen Form über den Vormarsch der Roboter in unserem Alltag berichtet wird und fast keine Woche in der nicht auch Sexroboter zum Thema werden, zu ganz unterschiedlichen Anlässen. Seien es Science Fiction-Spielfilme ('Alita Battle Angle', 'Blade Runner 2', 'Her') oder neuere Serien ('Love, Death & Robots', 'Westworld', 'Violet Evergarden', 'Almost Human') seien es Kino- oder TV-Dokumentationen wie eben 'Hi, AI', seien es Kongresse, Vorträge, Ausstellungen, ständig neue High Tech-Sextoys, die Eröffnung von Puppen-Bordellen, Diskussionen, Umfragen, Experteninterviews oder Bucherscheinungen: angesichts des medialen Hypes könnte man meinen, täuschend echte Sexroboter zu erschwinglichen Preisen für die Massen wären schon in wenigen Jahren Realität. Dieser Entwicklung ist auch das im Februar 2019 erschienene Buch der Kulturwissenschaftlerin und Professorin für Skandinavistik Sophie Wennerscheid 'Sex Machina' auf der Spur, die für eine neue Logik des Begehrens in einem heraufziehenden posthumanistischen Zeitalter plädiert: „Sie sieht in den maschinellen Sexpartnern die Chance, etablierte Sexualitätsmodelle um neue Muster sexueller Aktivität zu erweitern. Mit ihrem Buch will sie deshalb für eine Offenheit gegenüber solchen Praktiken werben, auch wenn sie einem „eigenartig, vielleicht sogar pervers vorkommen"." (Deutschlandfunk Kultur)

Dazu schildert sie zahlreiche Beispiele aus den Bereichen des Kinos, der Literatur und der Bildenden Kunst und berichtet vereinzelt auch von Ausflügen zu bereits real existierenden Start-ups z.B. im Bereich des Cybersex, wo sie ihren ersten Virtual Reality-Sex hat oder bewertet die noch sehr begrenzten Qualitäten heutiger Kussmaschinen oder von Prototypen echter Sexroboter. Der Titel ihres Buches leitet sich dabei wahrscheinlich vom britischen Science Fiction-Kammerspiel aus dem Jahr 2015 'Ex Machina' ab, dem Psychothriller mit erotischem Touch um einen weiblichen Roboter, der die jüngeren Entwicklungen im Bereich der Künstlichen Intelligenz und nicht zuletzt die Probleme, die sich daraus für das menschliche Selbstverständnis ergeben, filmisch illustriert. Wennerscheid sieht in der Mensch-Maschine-Beziehung eine eigenständige Qualität und geht insbesondere der Frage nach, ob und inwieweit emotionale Nähe in dieser Beziehung entstehen kann. Die Schlußfolgerungen, zu denen sie gelangt, dürften dabei allerdings nicht nur die Rezensentin auf Deutschlandfunk Kultur überfordert haben, die ihre Besprechung mit folgenden Worten schließt:

„Die Maschine sei das „starke andere", mit dem es zu einem emotional interessanten, das Sein erweiternde Miteinander kommen werde. Wie sich das vollziehen soll und wie sich diese „eigenständige Entität" definiert, lässt sie aber völlig offen. Und lässt einen damit einfach nur ratlos zurück."

Einen deutlich unakademischeren aber sehr viel lustvolleren Zugang zum Thema fand vor fast 40 Jahren schon dagegen der französische Pornoklassiker von 1981 'La Femme objet' von Regisseur Claude Mulot alias Frédéric Lansac, der mit Humor und satirischem Hintersinn die Kreation eines Sexroboters schildert. Ein Science Fiction-Autor, gespielt von Richard Allen, der mit all seinen erotischen Ausschweifungen keine tiefere Befriedigung findet und mit seinem maßlosen sexuellen Begehren alle bisherigen Partnerinnen vertreibt, ist auf der Suche nach der perfekten Frau. Schließlich kommt er auf die Idee, einen eigenen Sexroboter für seine sinnlichen Obsessionen zu erschaffen, wobei der Film auch Anleihen beim Horrorklassiker 'Lady Frankenstein' nimmt und mit Do-it-yourself-Raumschiff-Orion-Charme - man erinnere sich an das Bügeleisen als futuristisches Accessoire - eine zeitgenössische Sonnenbank zum High Tech-Roboterbrutkasten umfunktioniert. Heraus kommt allerdings kein weiblicher Frankenstein als hässliches Monster sondern eine wunderschöne blonde Sexgöttin, gespielt von Marilyn Jess in der Rolle ihres Lebens, die tatsächlich alle Wünsche ihres Schöpfers zu erfüllen scheint, denn seine künstliche doch täuschend lebensechte Sexsklavin bedient alle seine erotischen Phantasien! Jedoch, das ganze nimmt eine ungeahnte Wendung, denn... ...das soll hier nicht weiter verraten werden.

Der Film ist in den Weiten des heute schon existierenden(!) virtuell-elektronischen Pornoversums auf den verschiedenen Online-Plattformen frei verfügbar, und läßt sich auch als Beispiel für eine typische Pornoproduktion aus der Zeit des sogenannten „golden age of porn" ansehen, als Pornofilme nach der gesetzlichen Legalisierung der Pornografie Anfang bis Mitte der 70er Jahre noch mit großem Budget hergestellt wurden, richtige Handlungen besassen und in großen Kinosälen vorgeführt wurden. Diese Pornos wurden von Leuten gemacht, die die technischen und dramaturgischen Aspekte des Filmemachens in der konventionellen Kinoindustrie gelernt hatten, mit professionellen Darstellern, die sowohl echte schauspielerische Fähigkeiten besassen aber auch noch vom progressiven Geist der sexuellen Liberalisierung in den 60er und frühen 70er Jahren inspiriert waren. Ein anderes gesellschaftliches Ansehen und nicht zuletzt viel höhere Gagen trugen ebenfalls zu einer authentischeren Spielfreude der Schauspieler bei, was sich gerade in den vielen nicht-sexuellen Sequenzen der verschiedenen Produktionen am deutlichsten zeigt. 'La Femme objet' wird übrigens auch unter den englischsprachigen Titeln 'Programmed for Pleasure' oder 'Science Fiction Lady' bzw. deutsch: 'Die Frau nach Maß' geführt, bitte die Suchmaschine deines Vertrauens benutzen.

Woher der aktuelle Hype zum Thema Sexroboter kommt, ist schwer zu entscheiden und wäre eine interessante Forschungsfrage für Kultur- und Medienwissenschaftler, für Soziologen, Philosophen und nicht zuletzt für Psychologen, denn daß Sexroboter tatsächlich schon in wenigen Jahren zum Massenphänomen werden könnten, darf stark bezweifelt werden. Zum einen sind viele Probleme auf der Hardware-Seite der Robotik noch ungelöst, zum anderen sind gerade auch die Herausforderungen auf dem Gebiet der Künstlichen Intelligenz doch wohl sehr viel größer, als es die euphorischen Phantasien von Zukunftsoptimisten vermuten lassen, wie z.B. auch jüngere Schwierigkeit, Hürden und Rückschläge etwa beim Thema Autonomes Fahren andeuten. Und beide Ebenen, die der Hardware und der Software, müssten in einem menschenähnlichen Sexroboter ja zusammengeführt werden. Die größeren Hürden dürften aber tatsächlich auf dem Gebiet der menschlichen Psychologie liegen, denn die Entwicklung eines Sexroboters provoziert auch ein Phänomen, das bislang vor allem im Bereich des Animationsfilms oder von Computerspielgrafiken diskutiert wird, und zwar den Effekt des sogenannten „uncanny valley". Das „unheimliche Tal" oder „die Grusellücke" bezeichnet die Beobachtung, daß mit zunehmender technischer Perfektion von virtuellen Simulationen keineswegs die psychologische Akzeptanz oder identifikatorische Sympathie mit den dargestellten Gestalten und Figuren linear zunimmt sondern überraschenderweise erst einmal wieder abnimmt oder gewissermassen in ein Tal fällt, wenn man die Zustimmungswerte in ein Diagramm überträgt! Menschen identifizieren sich nämlich eher mit sehr künstlichen bzw. deutlich als Phantasiegestalten erkennbaren Figuren a la Donald Duck, Shrek oder Ariel, die Meerjungfrau auf der einen Seite oder eben mit echten Menschen auf der anderen, aber animierte Figuren, die menschengleich sein sollen aber doch nur annähernd menschlich sind, weil sie anhand verschiedenster und teils sehr subtiler Details doch noch als künstlich wahrgenommen werden, evozieren dagegen zunächst einmal wieder Gefühle der Abwehr, der Angst, des Ekels und eben des Unheimlichen.

Anders gesagt: solange die Sexroboter nicht die Perfektion einer Figur wie die von Marilyn Jess verkörperte in 'La Femme objet' erreichen, dürften sie zunächst eher ein starkes Befremden wenn nicht sogar ein nacktes Gruseln auslösen, was ihre lustfördernde Funktion natürlich grundlegend sabotiert. Und Perfektion dauert eben und kostet und macht es für die breite Masse unerschwinglich. Diese unerwünschte Wirkung würde bei einem materiellen Objekt wie einem menschen"ähnlichen" Roboter sogar noch ungleich stärker als im bloßen Bereich des Films oder des Computerspiels ausfallen, da hier nicht nur die audiovisuellen Sinne sondern auch noch der Geruchssinn und vor allem natürlich der haptische Sinn dem Effekt des uncanny valley unterläge. Man kann sogar noch über die Ebene der Sinne auf die Ebene von Körperenergien hinausgehen, wie sie von westlichen Körpertherapeuten aber auch von altehrwürdigen Erotiklehren wie dem indischen Tantra oder dem chinesischen Tao der Liebe propagiert werden, wobei sich dann die nur oberflächlich kalauernde Frage ergäbe, ob die in einem Roboter implementierte KI das „Ki" tatsächlich je rein kybernetisch-mechanisch simulieren könnte, die Lebensenergie, die sich in der sexuellen Begegnung zweier lebendiger Wesen manifestiert und die sich letztlich von lebenden Zellen herleitet und nicht von toter Materie. (Statt der teils physikalischen, teils mystisch-spirituellen Energiemetapher spricht man umgangssprachlich ja auch von der „Chemie" zwischen zwei Menschen.)

Letztlich erscheint ein Sexroboter eben doch nur als ein hochkomplexes und elaboriertes Hilfsmittel für die Masturbation und in dieser Hinsicht mag er eines fernen Tages einmal breite Anwendung oder sogar einen tieferen Sinn finden. Echter Sex zwischen zwei (oder mehr) Menschen ist aber etwas grundlegend und wesensmäßig anderes, da er in einem psychosozialen Beziehungsgeschehen angesiedelt ist und weil der je andere Mensch, das je andere Gegenüber, etwas perfekt-unperfektes an sich hat, etwas menschlich-eigensinniges, autonomes, offenes, unberechen- und unverfügbares und prinzipiell subjektives! Ein anderer Mensch wird immer ein lebendiges Subjekt statt nur ein totes Objekt bleiben, der sich aus - hoffentlich - freiem Entschluß so leidenschaftlich wie liebend hingibt, mag die künstlich-technische Simulation auch noch so perfekt alle Zeichen der Lebendigkeit, der leidenschaftlichen Ekstase oder der liebenden Hingabe vorgaukeln...

Ab 31. Januar 2019

NEU IM KINO

Januar 2019

RAFIKI (ab 31.01.)
Kena und Ziki sind zwei junge und ziemlich gegensätzliche Frauen in Kenia, die sich ineinander verlieben, in einem Land, in dem nicht nur auf sozialer Ebene und im Alltag die Homophobie grassiert sondern in dem - vor allem männliche - Homosexualität offiziell unter Strafe steht und mit bis zu 14 Jahren Haft geahndet werden kann. Daß ihre beiden Väter politische Konkurrenten im aktuellen Wahlkampf sind, macht das ganze auch nicht gerade leichter, doch die beiden lassen sich nicht unterkriegen, denn sie wollen nicht so sein, wie alle anderen...

Die kurze Inhaltsangabe ließe vermuten, daß es sich bei 'Rafiki' um ein schwermütiges bis tragisches Beziehungsdrama handelt, doch primär erzählt Regisseurin Wanuri Kahiu eine hoffnungsvolle und optimistisch stimmende Geschichte vor ernstem Hintergrund, mit Anspielungen auf 'Romeo und Julia' (natürlich ohne Romeo). In ihrer Heimat war der Film zunächst verboten, bevor ein Gerichtsurteil die Zensur zumindest für eine kurze Zeit wieder aufhob. Bei den Filmfestspielen in Cannes lief 'Rafiki' als erster kenianischer Film überhaupt und wurde letztes Jahr sowohl vom Publikum als auch von der Kritik gefeiert, nicht zuletzt wegen der fulminanten und inspirierenden Performance der beiden Hauptdarstellerinnen Samantha Mugatsia (Kena) und Sheila Munyiva (Ziki). Entscheidenden Anteil an der bei aller Ambivalenz positiven Grundstimmung haben aber auch ein grell-bunt leuchtendes Farbkonzept, das Rezensenten zu Formulierungen wie „reclaiming the pink" oder „Pink ist eine warme Farbe" hinriss, und ein dynamisch-energiegeladener, rhythmuslastiger Soundtrack der kenianischen Musikerinnen Muthoni Drummer Queen und Chemutai Sage:

„„Rafiki"-Regisseurin Wanuri Kahiu ist die große Stimme der popkulturellen Strömung Afrobubblegum, die Afrika nicht als leidenden Problemkontinent, sondern selbstbewusst mit Drive und Good Vibrations zeigen will. Daher auch besagte Leuchtfarben. Man sollte nun aber nicht meinen, „Rafiki" sei ein naives Feel-Good-Movie, hakuna matata: Die Szene etwa, in der ein aggressiver Mob über die Liebenden herfällt, ist mit einer beängstigenden Brutalität gezeichnet, die einem die Kehle zuschnürt. Jeder Mensch sollte diesen Film sehen." (tip-Magazin)

„Das Wort Rafiki ist Suaheli und bedeutet "Freund(in)". Es wird in Kenia für einen gleichgeschlechtlichen Partner verwendet, da es kaum möglich ist, diesen als Partner vorzustellen." (Zeit-Online)


FAHRENHEIT 11/9 (ab 17.01.)
Der neue Film des Doku-Polemikers Michael Moore dreht sich um die entscheidende Frage, wie um alles in der Welt es nur geschehen konnte, daß Donald Trump tatsächlich US-Präsident werden konnte: „How the fuck did this happen?" Dabei geht er vor allem mit der Demokratischen Partei ins Gericht aber auch mit den liberalen Medien, die lange Zeit ein verzerrtes Bild geliefert hatten und so die Siegeschancen des Milliardärs völlig unterschätzten. Der Filmtitel bezieht sich auf die amerikanische Datumsnotation, bei der zuerst der Monat und dann der Tag genannt wird, wodurch sich der 9. November ergibt, jener Mittwoch im Jahr 2016, an dem der Sieg Donald Trumps verkündet wurde. Er ist gleichzeitig ein Wortspiel bzw. eine Anspielung auf Moores frühere Dokumentation aus dem Jahr 2004 'Fahrenheit 9/11' über George W. Bush und die Geschehnisse des 11. Septembers 2001, während beide Filmtitel auf die von Francois Truffaut verfilmte Zukunftsdystopie von Ray Bradbury 'Fahrenheit 451' Bezug nehmen. Die Generalbewertung seines Themas ist damit schon im Titel vorweggenommen.

'Fahrenheit 11/9' ist nicht der erste Film Moores über Trump, der mit 'Michael Moore in TrumpLand' 2016 noch in den Wahlkampf eingreifen wollte, wie der Oscarpreisträger auch einer der ganz wenigen auf der linken Seite des politischen Spektrums war, der den Sieg des Immobilienmoguls korrekt vorhergesagt hatte. Im aktuellen Film beleuchtet er nun im Anschluß an eine erneute Aufzählung Trumpscher Schwächen und Skandale verschiedene Vorkommnisse und Ereignisse, die er in seiner typischen so unterhaltsam-satirischen wie tendenziösen Art montiert und kombiniert, um dem Zuschauer jene Dimensionen der sozialen Verhältnisse in den USA zu veranschaulichen, die den Sieg Donald Trumps begünstigten. So geht es beispielsweise um einen Skandal um die Wasserversorgung in seiner Heimatstadt Flint, einen Lehrerstreik, die Schülerbewegung um die Schulmassaker oder das eigentümliche US-Wahlsystem, wobei Interviewpassagen mit einem bekannten US-Historiker zusätzliche Erklärungsbausteine liefern sollen. Die teils listig-hintersinnige, teils überheblich-selbstgefällige Machart von Moores Pseudodokumentationen ist natürlich längst von seinen früheren Werken her bekannt und hat schon immer große Kritik auch auf der Seite derer provoziert, die sein Weltbild prinzipiell teilen. Die emotionalisierenden, parteiischen und einseitig zuspitzenden Aspekte sind diesmal allerdings zu Gunsten einer etwas ernsteren, nüchterneren und - im Vergleich zu seinen älteren Filmen - differenzierenderen Herangehensweise zurückgenommen, womit er zwar die besten Kritiken seiner Karriere aber zugleich auch die schlechtesten Einspielergebnisse erzielt hat. Es stellt sich hier vor allem aber die so grundlegende wie fatale Frage, ob Michael Moore in Donald Trump nicht seinen großen Meister gefunden hat, denn wie man Fakten im Hinblick auf eine erwünschte emotionale, mediale und propagandistische Wirkung kunstvoll zurechtbiegt, darin kennt sich der US-Präsident ganz gewiss aus:

„Wie viel Selbstgerechtigkeit kann sich ein Filmemacher leisten, den auch der Alt-Right-Vordenker Steve Bannon als „Meister seiner Kunst" bezeichnet? Moore weiß um seine Angreifbarkeit, bringt das Zitat und setzt mit einem überzogenen Trump-Hitler-Vergleich noch einen obendrauf. Genaugenommen lässt er seinen Film implodieren, in einer Mischung aus Ratlosigkeit und verzweifeltem Aufruf zur Aktion, die nicht ohne Humor ist und seiner alten Leier einen völlig neuen Sound verleiht. Dieses Land, hat man als Fazit, macht einen verrückt." (Berliner Zeitung)

PS: Der ebenfalls am 17. Januar in den deutschen Kinos angelaufene Spielfilm von Jason Reitman ('Juno', 'Up in the Air') 'Der Spitzenkandidat' mit Hugh Jackman in der Hauptrolle handelt von dem heute fast vergessenen Gary Hart, der 1988 als Vertreter der Demokratischen Partei ins Rennen um die US-Präsidentschaft einstieg aber wegen einer angeblichen sexuellen Affäre seine Kandidatur wieder aufgeben mußte. Dieser Film erinnert indirekt auch daran, daß der mit Donald Trump immer weiter ins Groteske und Surreale abdriftende (Wahlkampf-)Zirkus ums US-Präsidentenamt eine lange und abgründige Vorgeschichte besitzt, in der schon immer Finanzstärke, mediale Manipulation und Charisma-Simulation deutlich mehr zählen als ein authentischer demokratischer Diskurs. Schließlich wäre ein Präsident Trump ohne die breite Enttäuschung von Kernwählerschichten der Demokraten über die Präsidentschaft Barack Obamas als auch über die Alternative Hillary Clinton wohl kaum möglich gewesen: „Yes, we can!?" Not.

VERTIGO - AUS DEM REICH DER TOTEN (nur 31.01.)
Ein Polizist in San Francisco leidet unter starker Höhenangst, kann so einen Kollegen nicht retten und quittiert wegen starker Schuldgefühle vorzeitig seinen Dienst. Als er sich in eine selbstmordgefährdete Frau verliebt, kann er sie ebenfalls auf Grund seiner Höhenphobie nicht vor dem Tod durch den Sprung von einem Glockenturm bewahren. Nachdem er einige Zeit in einer Nervenklinik verbracht hat, lernt er eine andere Frau kennen, die seiner verstorbenen großen Liebe verblüffend ähnlich sieht. Doch auch das tragische Geschehen scheint sich zu wiederholen!...

Kriminalfilm, Psychothriller, Liebesmelodram: 'Vertigo - Aus dem Reich der Toten' verbindet gleich mehrere Genres und gilt heute als einer der wichtigsten Filme von Alfred Hitchcock, dem "Master of Suspense". Bei seiner Erstveröffentlichung im Jahr 1958 hielt sich die Resonanz bei Kritikern wie Publikum noch in Grenzen, doch insbesondere die professionelle Wertschätzung nahm im Laufe der Jahrzehnte immer weiter zu, so daß der Krimiklassiker im Jahr 2012 in der nur alle zehn Jahre durchgeführten Umfrage nach den besten Filmen aller Zeiten der britischen Zeitschrift 'Sight & Sound' von 800 Filmkritikern auf den ersten Platz gewählt wurde! Zuvor hatte 'Citizen Kane' von Orson Welles diesen absoluten Spitzenplatz viele Jahrzehnte lang inne, seit 1962. Dementsprechend beeinflusste 'Vertigo' auch zahlreiche andere Regisseure und Filmemacher und so gelten etwa Alain Resnais' 'Letztes Jahr in Marienbad', Chris Markers Kurzfilm 'Am Rande des Rollfelds', Carlos Sauras 'Peppermint Frappé', Brian De Palmas 'Schwarzer Engel' und 'Der Tod kommt zweimal', Mel Brooks' 'Höhenkoller' oder Paul Verhoevens 'Basic Instinct' als von Hitchcocks Meisterwerk inspiriert, um nur die wichtigsten zu nennen.

'Vertigo' zeichnet sich nicht nur durch seine verschlungene Handlung und düsteren psychologischen Akzente sondern insbesondere auch durch seine formale Machart aus, letztlich aber durch die perfekte Synthese eines virtuosen inhaltlichen Spannungsbogens mit einem passenden Soundtrack, einem ungewöhnlichen visuellen Konzept u.a. mit überraschenden Farbwechseln durch spezielle Filter, und nicht zuletzt dem kongenialen Spiel der beiden Hauptdarsteller James Stewart und Kim Novak. Im Zentrum der optischen Visualisierung steht natürlich der sogenannte „Vertigo-Effekt", der durch eine ausgeklügelte Kameratechnik erzeugt wird und mit dem sich das Schwindelgefühl des männlichen Helden auf den Kinozuschauer überträgt! Alle formalen Mittel dienen dabei generell vor allem der Beschwörung der innerpsychologischen und (alp)traumartigen Aspekte einer abgründigen Liebesbeziehung und weniger einer bloß oberflächlich-vordergründigen Handlungskonsistenz.

Das Berliner Arsenal-Kino im Filmmuseum am Potsdamer Platz zeigt 'Vertigo - Aus dem Reich der Toten' nun am Donnerstag d. 31. Januar 2019, 20 Uhr, standesgemäß auf der großen Leinwand, in englischsprachiger Originalfassung und im Rahmen der fortlaufenden Reihe mit 70-mm-Projektionen. Erst das analoge Großbildformat ermöglicht dem Zuschauer auch die volle Erfahrung und Intensität des „Vertigo-Effekts", wie er ursprünglich von Hitchcock für den Kinosaal einmal gedacht und konzipiert worden war:

„Hinter der perfekten, herausragend gespielten Kriminalgeschichte offenbart sich ein brillantes psychologisches Seelendrama, in dem es um Liebe geht, aber auch darum, wie Liebe durch die Obsessionen der Fantasie verhindert wird: ein Mann liebt seine Vorstellung einer Frau und versucht, sie danach zu gestalten. In der außergewöhnlichen Spannungsdramaturgie werden die Schichten und Widersprüche des inneren Seelenlebens der Hauptfigur subtil aufgedeckt." (Lexikon der Internationalen Films)

„Vertigo ist ein Meisterwerk, dessen Bedeutung sich mit den Jahren erschließen wird. Er ist nicht nur der einzige große surrealistische Film, sondern auch das erste romantische Werk des 20. Jahrhunderts." (Guillermo Cabrera Infante, 1959)


COLETTE (ab 03.01.)
Frankreich gegen Ende des 19. Jahrhunderts: Die junge Sidonie-Gabrielle Colette heiratet einen älteren Erfolgsschriftsteller, der seine Romane von einem Autorenteam schreiben läßt und unter seinem Namen veröffentlicht. Er überredet auch sie, als Ghostwriter für ihn zu arbeiten und gleich ihr erstes halbbiografisches Werk im Jahr 1900 über eine unkonventionelle Heldin namens Claudine wird zu einem gefeierten Bestseller. In den folgenden Jahren und im Kontext der Fortsetzungen der Claudine-Geschichten emanzipiert sich Colette immer mehr von dem Einfluß ihres Mannes, sowohl als Ehefrau wie insbesondere auch als Schriftstellerin und hat wie ihr Mann Affären, allerdings nicht mit anderen Männern sondern mit Frauen. Nach wahren Begebenheiten...

Die Schriftstellerin Colette (1873-1954) brachte mit ihren Romanen einen anderen und frischen Ton in die französische Literatur der Jahrhundertwende und prägte so ein neues und moderneres Frauenbild. In der zweiten Hälfte ihres Lebens erreichte ihre Popularität ungeahnte Ausmaße und so war sie die erste Frau in Frankreich, die ein Staatsbegräbnis erhielt. Der Film des schwulen Regisseurs Wash Westmoreland beschränkt sich nun auf jene spezifisch frühe Lebensphase, in der sich Colette im Wortsinne freischreibt und schließlich den ersten Roman unter ihrem eigenen Namen veröffentlichen kann. (Man beachte die Parallelen zum Schicksal von Kollegin Mary Shelley, siehe weiter unten.) In der Titelrolle kann Keira Knightley überzeugen, die ihre Rolle „verschmitzt", „aufrührerisch", „selbstbewußt", „zielorientiert" und mit facettenreichem Mienenspiel angelegt habe und so nicht nur jungen Frauen als Vorbild dienen könne. Der Schwerpunkt liegt somit tatsächlich auf dem Emanzipationsaspekt von Colettes Lebensgeschichte und der künstlerischen bzw. literarischen Dimension, während ihre Bisexualität als selbstverständliche Tatsache mehr nebenbei abgehandelt wird, obwohl das schwullesbische Internetportal queer.de den Film „zu den wichtigsten historischen Queerfilmen" zählt. Im Anschluß an die Szene, wo Colette ihren Ehemann um Erlaubnis fragt, ob er damit einverstanden sei, daß sie die Nacht mit einer Frau verbringt, heißt es in der dortigen Besprechung:

„Diese wie auch die späteren Liebes- und Sexszenen gewinnen dadurch, dass Regisseur Wash Westmoreland seine Filmkarriere zunächst mit preisgekrönten schwulen Pornofilmen begonnen hat: Er versteht es, Sinnlichkeit, Erotik und Lust zu inszenieren, ohne plump oder schaustellerisch zu wirken. Im Zusammenspiel mit einer prächtigen Belle-Époque-Kulisse, der wohl unterstreichenden orchestralen Musik und einem Licht, das die Szenen wie durch einen weich-samtenen Filter zeigt, wird "Colette" so zu einer wahrhaft ästhetisch-sinnlichen Erfahrung." (queer.de)

„Die Menschen, die wir zeigen, haben echte Körper, sie machen Fehler und auch Flecken. Echte Menschen, die Sex haben, rülpsen und furzen. In den meisten Kostümfilmen wartet man zwei Stunden, bis das Paar sich verlobt. Hier vögeln Colette und Willy schon nach fünf Minuten in der Scheune. Außerdem ist das Ausleben sexueller Lust in „Colette" nichts, wofür die weibliche Protagonistin bestraft wird, wie sonst so oft. Das wäre ein Verrat an der echten Colette gewesen." (Regisseur Westmoreland im Zitty-Interview)

Ab 27. Dezember 2018

NEU IM KINO:

Dezember 2018

MARY SHELLEY (ab 27.12.)
England 1814: Die erst 16jährige Mary Shelley geht eine leidenschaftliche Beziehung mit dem 21jährigen verheirateten Dichter Percy Bysshe Shelley ein und begibt sich auf eine gemeinsame Reise aufs europäische Festland. Zwei Jahre später treffen sie u.a. den berühmten Dichter Lord Byron und ziehen zu fünft in eine Villa am Genfer See, wo sie sich auch mit selbst erfundenen Gruselgeschichten die Zeit vertreiben. In diesem Zusammenhang hat Mary die Eingebung für ein Jahrhundertbuch, das sie schon ein Jahr später im Alter von 19 Jahren veröffentlicht, allerdings zunächst nur anonym: 'Frankenstein oder Die Geburt des neuen Prometheus'!...

'Frankenstein' gilt gemeinhin als der Ursprung der Science Fiction-Literatur, noch weit vor den Büchern des Franzosen Jules Verne, so daß Alien- und Blade Runner-Regisseur Ridley Scott seine TV-Dokuserie 'Die Science Fiction Propheten' konsequent mit der Folge über Mary Shelley beginnen läßt. Im kollektiven Bewußtsein und vor allem vermittelt über die unzähligen filmischen Bearbeitungen resp. Trivialisierungen ist das Frankenstein-Motiv allerdings mehr mit dem Horror-Genre verknüpft, wie auch die tiefere philosophische Substanz des Buches (das übrigens im „Projekt Gutenberg" frei heruntergeladen werden kann) allgemein wenig bekannt ist, die mit den zeitgenössischen Debatten um Biotechnologie, künstliches Leben oder den Wunsch nach Unsterblichkeit überraschenderweise immer aktueller wird. Beim Biopic, das jetzt in den Kinos läuft, handelt es sich freilich weder um ein Werk der Science Fiction noch des Horrorfilms sondern um ein Liebes- und psychologisches Entwicklungsdrama mit vielfältigen Bezügen zu feministischen Debatten der Gegenwart. Das berühmte Monster wird in dieser Interpretation zum literarischen Symbol und zur Chiffre für gesellschaftliche Ausgrenzung und Unterdrückung:

„Die saudi-arabische Regisseurin Haifaa Al Mansour („Das Mädchen Wajda") betrachtet Mary Shelleys Lebensgeschichte strikt aus der weiblichen Perspektive und sucht die Parallelen zum modernen Leben unserer Zeit. Denn die unabhängige Mary (immer toll: Elle Fanning) beißt sich durch in einer paternalistischen Gesellschaft, die es ihr ursprünglich nicht einmal ermöglichte, „Frankenstein" unter eigenem Namen zu veröffentlichen." (Zitty)


MÄNNERFREUNDSCHAFTEN (ab 13.12.)
In seinem neuesten Werk begibt sich Regisseur Rosa von Praunheim auf die Spuren homo- bzw. bisexuellen Begehrens der Weimarer Klassiker. Haben Goethe, Schiller, Kleist und andere Dichterfürsten etwa auch Männer geliebt, was in dieser allgemeinen Formulierung und im Sinne einer innigen Herzensfreundschaft sicher tatsächlich der Fall war, im Zeitalter der Empfindsamkeit, aber hatten sie auch konkrete sexuelle Erfahrungen?

Von Praunheim folgt in seiner teils gut recherchierten, teils spekulativen Low Budget-Dokufiction vor allem einer Studie eines US-Germanisten, die bereits im Jahr 2000 unter dem bezeichenden Titel „Warm Brothers. Queer Theory and the Age of Goethe" veröffentlicht wurde und die einen queeren Blick nicht nur auf Schiller und Goethe sondern z.B. auch auf Jean Paul, Friedrich den Großen oder Johann Joachim Winckelmann warf, den geistigen Begründer des Klassizismus im deutschsprachigen Raum. Besondere Aufmerksamkeit widmet der Filmemacher dabei dem emphatischen Freundschaftskult des Dichters Johann Wilhelm Ludwig Gleim und seines Brieffreundes Johann Georg Jacoby und gegen Ende insbesondere Emil Leopold August, Herzog von Sachsen-Gotha, der „sich gerne in Frauenkleidung zeigte und so den Gothaer Hof zu schockieren wusste" (Wikipedia) und mit „Kyllenion – Ein Jahr in Arkadien" (1805) sogar einen einschlägigen schwulen Roman verfasst hat. Die unterhaltsame Mischung aus Dokumentarischem, Experteninterviews und nachgestellten Spielszenen, an Originalschauplätzen in Weimar gedreht und angereichert mit dem Praunheimschen Sinn für Ironie und Zwischentöne, belässt vieles angenehm in der Schwebe, so daß es den Zuschauer angesichts der so heiteren wie geistvollen Geschichtsstunde auch nicht weiter stört, daß eine zentrale Ausgangsfrage letztlich unbeantwortet bleiben muß. Denn wenn schon Goethe höchstselbst von der Männerliebe „kaum reden, geschweige schreiben" vermag, kann auch der zeitgenössische Filmemacher nur an unüberwindbare Grenzen stossen:

„Aber was ist denn nun mit dem wahren, sexuell spät berufenen Goethe und in welche Richtungen vollzog sich sein Coming Out mit Ende dreißig? In Italien, da sind sich mehrere Experten einig, lernte er alle Spielarten der Sexualität kennen. Viel zitiert sein Brief an den Weimarer Herzog Carl August über „ein sonderbar Phänomen", „die Liebe der Männer untereinander. Vorausgesetzt, dass sie selten bis zum höchsten Grad der Sinnlichkeit getrieben wird, sondern in den mittleren Regionen der Neigung und Leidenschaft verweilt; so kann ich sagen, dass ich die schönsten Erscheinungen davon, welche wir nur aus griechischen Überlieferungen haben, hier mit eignen Augen sehen und als ein aufmerksamer Naturforscher das Psychische und Moralische davon beobachten konnte. Es ist eine Materie, von der sich kaum reden, geschweige schreiben lässt"." (Frankfurter Rundschau)


CLIMAX (ab 6.12.)
Eine junge Tanztruppe von Männern und Frauen unterschiedlichster sexueller Orientierungen hat gerade ein Tourneecasting erfolgreich absolviert. In Interviews werden sie vorgestellt, ihre Hoffnungen, Wünsche und Träume. Eine ausgelassene Party zu vorwiegend 90er Jahre Technobeats schließt sich an. Jemand hat eventuell eine halluzinogene Substanz in die Sangria-Bowle gemischt, wodurch eine Art Verfolgungswahn entsteht und die Stimmung sich verdüstert. Ein kollektiver Wahnsinn breitet sich aus und eskaliert immer mehr...

Der neue Film von Regisseur Gaspar Noé, der schon mit früheren Werken wie 'Irreversible', 'Enter the Void' oder dem Kunstporno 'Love' sein Publikum provozierte, ist erneut eine emotionale Herausforderung, auch wenn ihm diesmal insbesondere die Kritiker deutlich wohlgesonnener sind als in der Vergangenheit. 'Climax' zeichnet sich vor allem durch seine wie improvisiert erscheinende Machart aus, die gerade die eigentümlich dynamische und körperbetonte Atmosphäre einer Party einzufangen weiß aber auch die verschiedenen krassen Entwicklungsstufen, mit der sie immer weiter chaotisch aus dem Ruder läuft. Die Story wird nicht linear erzählt, wobei Noé wie in 'Irreversible' wieder eine Rückwärtsdramaturgie anwendet, in dem er seinen Film mit dem Ende und hier konkret mit dem Abspann beginnen läßt. Filmische Referenzen und Vorbilder sind u.a. 'Suspiria', 'Possession' oder 'Die 120 Tage von Sodom', deren DVD-Hüllen in einer Szene kurz zu sehen sind. Formales Kernelement ist aber neben der hochexpressiven Energie der Tänzer mit ihren so ekstatischen wie artistischen Performances eine wirbelnde, „atemlose" oder „fliegende" Kamera (Benoît Debie), die den Zuschauer immer stärker in das Geschehen hineinzieht:

„Exhibitionismus und Narzissmus sind Triebfedern, um auf die Bühne zu gehen und sich vor anderen zu produzieren. Dabei ist immer eine dunkle Seite im Spiel. Gaspar Noé zeigt sie in seinem neuen Film „Climax" und erfindet dabei vielleicht ein neues Genre: den Party-Schocker. Oder ist „Climax" eher ein furioser Antidrogenspot? (...) „Climax" ist weniger ein Film als vielmehr eine Erfahrung. Und am Ende ist man fast so erschöpft wie die Mitwirkenden, sieht wie sie das Tageslicht nach dem Rausch und stellt sich die Frage: „Was kommt jetzt?"" (Siegessäule)

„An dieser Stelle sei gesagt, dass man sich gut überlegen sollte, ob man sich auf diesen Drogen-Tanztrip einlassen will. Man kann in einer Filmkritik natürlich immer übertreiben und Phrasen wie „Nichts für schwache Nerven" aussprechen, aber bei Climax ist diese Warnung durchaus ernst zu nehmen!" (mephisto97.6.)

PS: Aktuell laufen noch zwei weitere Tanz-Filme im Kino. Mit 'Jota - Mehr als Flamenco' setzt Altmeister Carlos Saura dem gleichnamigen spanischen Volkstanz ein filmisches Denkmal. (ab 6.12.) 'Le Grand Bal - Das große Tanzfest' dagegen dokumentiert ein einwöchiges Tanzfestival mit bis zu 2000 Besuchern, das jedes Jahr in der französischen Auvergne stattfindet. Der Titel erinnert dabei übrigens an den Klassiker und Geniestreich von Regisseur Ettore Scola 'Le Bal' aus dem Jahr 1983, der die Geschichte des 20. Jahrhunderts anhand eines Tanzpalastes nur mit den wechselnden Tanzmoden erzählte und dabei auf gesprochene Dialoge verzichtete! (ab 29.11.)


ASTRID (ab 6.12.)
Schweden in den 20er und frühen 30er Jahren: Nach einer unbeschwerten Kindheit fängt die junge Astrid Lindgren als Praktikantin bei einer Zeitung an, wo sie sich schon bald in den viel älteren Herausgeber verliebt und mit gerade einmal 18 Jahren schwanger von ihm wird. Sie gibt ihr Kind zunächst zu einer Pflegemutter, die aber später erkrankt, so daß sie ihren kleinen Sohn zurückholen muß. Um die entstandene Fremdheit zwischen ihnen zu überwinden, hilft ihr vor allem ihr Talent fürs Geschichtenerzählen...

Das konventionell erzählte Biopic der dänischen Regisseurin Pernille Fischer Christensen über Astrid Lindgren taucht tief in die Geschichte der weltberühmten Kinderbuchautorin ein und erhellt die teils ernsten Inspirationsquellen ihrer so kreativen wie heiteren literarischen Produktivität. Gleichzeitig ist ihr persönliches Schicksal eingebettet in ein Zeit- und Sittenpanorama der 20er und 30er Jahre:

„Regisseurin Pernille Fischer Christensen und ihr Ko-Autor Kim Fupz Aakeson („Ein Mann von Welt") erzählen in gediegenen Bildern und mit der alles überstrahlenden Hauptdarstellerin Alba August von einer jungen Frau, die viel durchmachen muss, um jene Lebenserfahrung zu sammeln, die sie später in ihren Welterfolgen von Michel über Ronja Räubertochter bis zu Pippi zum Ausdruck bringen konnte. „Wie sie wurde, was sie dann war" könnte unter diesem schönen Film stehen: eine Kämpferin, die stets für Gleichberechtigung eingetreten ist – und die eine Schöpferin vieler starker weiblicher Figuren war." (Zitty)

Ab 29. November 2018

NEU IM KINO

November 2018

THE HOUSE THAT JACK BUILT (ab 29.11.)
Bedrückende Bedrohlichkeit. Getötete Frauen. Innenansichten eines Serienkillers. Gnadenlosigkeit und Brutalität. Die Stimme. Absurd-morbider Humor. Ist Mord Kunst? Reise durch die Höllenkreise. „Das Lamm". Architektenpläne. Das Kinderlied. Die Zahl 12. Der Fährmann. Obsessiv. Besessen. Durchgeknallt. Eine grandiose Zumutung. Das ultimative Kunstwerk? Matt Dillon. Uma Thurman. Bruno Ganz. Ein Film von Lars von Trier!...

„Lars von Trier ist für künstlerische Radikalität und Provokationen bekannt. Keinen seiner bisherigen Filme traf ein einhelliges Urteil. So ist es nicht verwunderlich, dass auch sein neues Werk „The House that Jack Built" umstritten ist – und die Kritik zwischen hohem Lob und totaler Ablehnung hin- und her schwankt. Begeisterung hier, Entsetzen dort." (Deutschlandfunk Kultur)

„Wer die drastischen Gewaltminiaturen Jacks auch als Spuren des dynamischen Unbewussten lesen mag, sieht bald einen zweiten Film. Die blutige Fährte führt immer wieder zu einem Mann zurück: dem 62-jährigen Regisseur, der mit Provokationslust hier sein Lebenswerk zitiert und zugleich zitternd die Frage stellt, ob es Bestand haben wird. Die Höllenfahrt, die wir erleben, ist seine eigene." (tip-Magazin)


DIE ERBINNEN (ab 29.11.)
Asunción, die Hauptstadt von Paraguay: Chela und Chiquita sind seit über 30 Jahren ein lesbisches Paar, deren Beziehung in eine Krise gerät, als die quirlige und lebensfrohe Chiquita wegen Überschuldung eine Gefängnisstrafe antreten muß. Auf sich allein gestellt macht die eher introvertierte Malerin Chela einen Veränderungsprozeß durch, lernt neue Menschen kennen und fängt langsam an, sich von Chiquita zu emanzipieren...

Das Spielfilmdebüt von Regisseur Marcelo Martinessi, der sich auf internationalen Filmfestivals bereits mit politischen Kurzfilmen einen Namen machte, ist zugleich sensibles und einfühlsames Frauenporträt als auch Milieu- und Gesellschaftsstudie. Er nennt 'Die Erbinnen' einen Film über Gefangenschaft, da man in Paraguay trotz des offiziellen Endes der Diktatur immer noch das Gefühl habe, wie in einem großen Gefängnis zu leben. Hauptdarstellerin Ana Brun wurde für ihre Rolle der Chela auf der diesjährigen Berlinale mit dem Silbernen Bären für die beste Darstellerin ausgezeichnet:

„Chela, Chiquita, Angy, Carmela, das Dienstmädchen Pati, eine Analphabetin vom Land – Martinessi setzt eine Welt der Frauen in Szene, ohne dass die Abwesenheit der Männer nur im Geringsten thematisiert wird. Von der brüchig gewordenen Klassengesellschaft (die Damen im Mercedes tragen Perlenkette und Silberschmuck auf faltiger Haut), von der Ehe ohne Trauschein mit unwiderruflich eingefahrenen Rollen, vom Generationsunterschied, vom Sex im Alter oder vom Bürgertum in Asunción lässt sich auch so erzählen." (Tagesspiegel)


COLD WAR - DER BREITENGRAD DER LIEBE (ab 22.11.)
Polen 1949: Ein Komponist fährt mit einer Kollegin über die Dörfer, um Gesangstalente im Bereich der Volksmusik aufzuspüren. Als er sich in die rebellische Zula verliebt, die schon bald einem von ihm gegründeten Musikensemble vorsteht, ist das der Beginn einer leidenschaftlichen Amour fou. Aus politischen Gründen nutzt er einen Auftritt in Ost-Berlin zur Flucht, erst viele Jahre später sieht sich das Paar unter völlig veränderten Umständen in Paris wieder, im freigeistigen Milieu der Jazz-Szene...

Formal streng gehaltenes Liebesdrama in Schwarz-Weiß und im einengenden 1:1.37-Bildformat, mit ironischen Anspielungen auf moderne Castingshows, Anklängen schwarzen Humors und durch Zeitsprünge verdichtete Erzählweise über eine selbstzerstörerische Liebe in der Nachkriegszeit unter den Bedingungen des Kalten Krieges von Regisseur Pawel Pawlikowski. Der wurde schon 2014 für sein Drama „Ida" über das sexuelle Erwachen einer Nonne mit dem Oscar für den besten fremdsprachigen Film ausgezeichnet:

„Profan, harmonisch und gesellschaftskonform ist die Liebe nicht in dem ästhetisch betörenden Melodram. Eher ein Schlachtfeld emotionaler Grenzzustände. Eine destruktive Naturgewalt. Ein obsessives Brennen. Und, zuletzt, eine transzendentale Kraft. (...) Jede Amour fou ist absolutistisch, lässt nichts anderes neben sich gelten. Derselben Logik folgt Pawlikowski, wenn er das sonstige Leben seiner erotomanischen Helden entweder nur anreißt oder ganz ausklammert." (diepresse.com)

„Ähnlich wie „Ida" stellt „Cold War" vor einem radikal persönlichen Hintergrund viele Fragen nach Freiheit und Verantwortung: ein kluger Diskussionsstoff, inszenatorisch, kameratechnisch und schauspielerisch beeindruckend." (tip-Magazin)

PS: „Cold War" wurde am 15. Dezember beim Europäischen Filmpreis in Sevilla als bester Europäischer Film ausgezeichnet, Joanna Kulig für ihre Rolle der Zula als beste Schauspielerin. Der Film gewann auch in den Kategorien "Bestes Drehbuch", "Bester Schnitt" und "Beste Regie".

KURZ NOTIERT:

ALEXANDER MCQUEEN - DER FILM (ab 29.11.) porträtiert den exzentrischen, schwulen und früh verstorbenen Modemacher mit zum Großteil unveröffentlichtem Archivmaterial. ------- HARD PAINT (ab 15.11.) schildert das Leben des 20jährigen „Neonboy", der sich im Online-Sex-Chat mit Neonfarben bestreicht, im Alltag aber von verschiedenen Ängsten heimgesucht wird. 'Hard Paint' war der diesjährige Gewinner des Teddy Award, des besten schwullesbischen Films auf der Berlinale: „„Hard Paint" erzählt zudem von der Brutalität der akut nach rechts driftenden brasilianischen Gesellschaft, wo weltweit die meisten queerphoben Hassverbrechen begangen werden." (tip-Magazin) ------- SUSPIRIA (ab 15.11.) ist das Remake des gleichnamigen Kult-Horrorfilms von Dario Argento aus dem Jahr 1977, der sich durch eine spezielle Dramaturgie und Farbästhetik auszeichnete und dadurch eine ganze Reihe späterer Filmemacher beeinflusste. Im Remake von Luca Guadagnino ('Call Me by Your Name'), das im düsteren Berlin von 1977 vor dem Hintergrund der Schleyer-Entführung angesiedelt ist, werden sämtliche Rollen von Frauen gespielt, u.a. von Dakota Johnson, Tilda Swinton oder Silvie Testud. ------- LORO - DIE VERFÜHRTEN (ab 15.11.) ist der neueste Film von Regisseur Paolo Sorrentino ('La Grande Bellezza - Die große Schönheit', 'Ewige Jugend'), der in gewohnt großen und opulenten Bildern die Dekadenz der politischen Klasse in Italien und insbesondere des Führungszirkels um den ehemaligen italienischen Ministerpräsidenten Silvio Berlusconi vorführt. ------- FEMALE PLEASURE (ab 8.11.) stellt fünf unterschiedliche Frauen aus fünf verschiedenen Kulturkreisen vor, die sich gegen die Repression der weiblichen Sexualität auflehnen bzw. für eine selbstbestimmte Sexualität von Frauen eintreten. Dabei stehen insbesondere die patriarchalen und religiösen Hintergründe der Sexualunterdrückung im kritischen Focus des deutsch-schweizerischen Dokumentarfilms. ------- AUFBRUCH ZUM MOND (ab 8.11.) ist kein Science Fiction-Film sondern ein an den wahren Ereignissen orientiertes Weltraumabenteuer, das das Menschheitsereignis der ersten Mondlandung vor 50 Jahren mit nur verhaltenem Pathos beschwört. Ein traumatisches familiäres Ereignis in den frühen 60er Jahren wird dabei zum analytischen Schlüssel für die Motivation und die psychologischen Eigenarten von Astronaut Neil Armstrong, dem „First Man", wie der Originaltitel des Films lautet. ------- TOUCH ME NOT (ab 1.11.) war der so überraschende wie umstrittene Gewinnerfilm der diesjährigen Berlinale. In radikaler, authentischer und berührender Weise erforscht der halbdokumentarische Experimentalfilm unserem Umgang mit Sexualität und Intimität und thematisiert dabei unterschiedliche bzw. teils tabuisierte Aspekte wie Asexualität, Transsexualität, Sexualität von Behinderten oder BDSM-Sex. ------- BOHEMIAN RAPSODY (ab 1.11.) erzählt die Geschichte von Freddy Mercury, dem charismatischen Sänger der Rockgruppe Queen, von der Gründung der Gruppe bis ins Jahr 1985 und dem Konzert Live Aid, sechs Jahre vor seinem Tod. Über das große Lob für Hauptdarsteller Rami Malek und den Soundtrack hinaus rief das Biopic insbesondere in der Schwulenszene ein etwas gespaltenes Echo hervor, da die Homosexualität der Rock-Ikone nicht angemessen herausgearbeitet sei.

Ab 04. Oktober 2018

Why Are We Creative?

The Centipede's Dilemma

„Am Anfang schuf Gott Himmel und Erde. Und die Erde war wüst und leer, und es war finster auf der Tiefe; und der Geist Gottes schwebte auf dem Wasser. Und Gott sprach: Es werde Licht! und es ward Licht." Mit diesen Worten beschreibt die Genesis, das erste Kapitel des Alten Testamentes, den wahrscheinlich folgenschwersten kreativen Akt überhaupt, der dann im weiteren erst - im traditionell-christlichen Selbstverständnis - alle menschliche, vormenschliche und außermenschliche Geschichte in Gang gesetzt hat. Kreativität spielt aber auch unter modernen und säkularen Vorzeichen eine immer wichtigere und zentrale Rolle, da es ohne ständige wissenschaftliche, technische und kulturelle Innovation im Kontext des konkurrenzgetriebenen Kapitalismus keinen wirtschaftlichen Fortschritt und vor allem kein dauerhaftes ökonomisches Wachstum mehr gäbe. Was aber ist „Kreativität" eigentlich genau, unter welchen Bedingungen ist der Mensch kreativ, was fördert sie, was hemmt sie, was bringt sie zur Blüte? Warum ist der Mensch kreativ?

Genau diese Frage treibt den Dokumentarfilmer Hermann Vaske nun schon seit über 35 Jahren um, seit Anfang der 1980er Jahre, als er sie dem Kreativdirektor der Londoner Werbeagentur Paul Arden stellte, in der damals auch Vaske angestellt war: „Why are you creative?" Seit dieser Zeit hat Vaske über eintausend prominente und weniger prominente Kreative mit dieser Frage konfrontiert und die jeweiligen Antworten auf den verschiedensten Speichermedien festgehalten, von Audio- und Videokassetten über 8mm- und 16mm-Film bis hin zu moderneren und aktuellen Formaten auf Festplatte in HD-, 2K- oder 4K-Auflösung. Sein Film stellt nun eine digitalisierte Auswahl aus über einhundert Stunden Material dar, wobei sich die kaleidoskopartige Vielfalt der inhaltlichen Reaktionen, die noch mit einigen eigenen witzigen Animationen und prägnanten Reiseimpressionen angereichert wurden, schon in der großen Unterschiedlichkeit der angedeuteten technischen Quellen widerspiegelt.

„Wenn Sie aus Uganda anrufen: Der Kühlschrank ist schon verkauft!" So lautete die kryptische Ansage des Anrufbeantworters, die der zunehmend frustrierte Dokumentarfilmer Hermann Vaske immer wieder zu hören bekam, als er den Regisseur David Lynch telefonisch zu erreichen versuchte. Das war zwar noch keine Antwort auf Vaskes stets gleiche Frage: „Why are you creative?", aber dafür ein umso prägnanteres Beispiel dafür, wie wahre Kreativität aussehen kann." (artechock.de)

Vaske läßt in seinem Bekenntnisreigen Regisseure und Filmemacher wie eben z.B. David Lynch, Billy Wilder, Quentin Tarantino oder Pedro Almodóvar zu Wort kommen, Musiker wie Björk, Marilyn Manson oder David Bowie, Künstler wie Georg Baselitz, Marina Abramovic, Ai Weiwei oder Damien Hirst, Schauspieler wie Anthony Quinn, Milla Jovovich, Charlotte Rampling, Willem Dafoe, Dennis Hopper oder John Cleese, aber auch Wissenschaftler wie Stephen Hawking, die Stararchitektin Zaha Hadid, die Modeschöpferin Vivienne Westwood, Politiker wie Nelson Mandela, George Bush Senior oder die Aktivistin von Pussy Riot Marija Wladimirowna Aljochina oder religiöse Führer wie den Dalai Lama. Manche Beiträge sind dabei nur ganz kurz und wenige Minuten lang, gewissermassen zwischen Tür und Angel aufgenommen, andere ufern dagegen zu weitschweifigen Vorträgen oder autobiographischen Betrachtungen aus, die naturgemäß einen hohen Grad an Subjektivität aufweisen. Den Kritiker ausgerechnet der Kunstzeitschrift 'Monopol' überforderte gerade diese subjektive Herangehensweise, als ob er die naive Erwartung hegte, es könne DAS eine „objektive" Kreativitätsrezept geben, auf die man jegliche schöpferische Tat herunterbrechen könne und so schreibt er in seinem Verriss:

„Tiefere Einsichten über die neuronale Funktionsweise von Kreativität, darüber, ob sie denn angeboren oder jedem potentiell eingeschrieben ist, oder welche Impulse für ihre Erweckung verantwortlich sind, darf man nicht erwarten."

Der Rezensent auf artechock.de deutet dagegen sehr treffend das zutiefst individuelle, rätselhafte und letztlich geheimnisvolle Wesen des kreativen Schaffens an, das es doch verbietet, eineindeutige und für alle Menschen gleich gültige Antworten auf die Titelfrage des Films zu erhoffen. Dabei entfaltet gerade die gegensätzliche und hochsubjektive Heterogenität der dokumentierten Antworten ihren inspirierenden Charakter:

„Für den einen mag die Vielfalt an unterschiedlichen, zum Teil durchaus banalen und widersprüchlichen Antworten in Why Are We Creative? äußerst unbefriedigend sein. Dagegen mag ein anderer in dem Film eine wahre Wundertüte, prall gefüllt mit nicht selten sehr anregenden Gedanken, erblicken. Ist diese Ambiguität nicht zutiefst kreativ?" (artechock.de)

„I am who I am. I am not afraid to be different." (Die Antwort von David Bowie, die Hermann Vaske selbst am meisten beeindruckte.)

PS: Auf die Grenzen und Fallstricke einer rein intellektuellen bzw. überspitzt selbstreflexiven Beschäftigung mit dem Kreativitätsthema verweist auch schon der Untertitel des Films („The Centipede's Dilemma"), wobei es ja auch eine altbekannte Tatsache darstellt, daß berühmte Schriftsteller und Künstler vor der introspektiven, z.B. psychoanalytischen, Erforschung der psychologischen Quellen ihrer eigenen Schöpferkraft intuitiv zurückschrecken. In der allegorischen Erzählung 'Der Fluch der Kröte' von Gustav Meyrink aus dem Jahr 1903 fordert die Kröte einen Tausendfüßler auf, sich bewußt zu werden, wie er es eigentlich anstellt, mit diesen vielen Füßen überhaupt laufen zu können. Als der Tausendfüßler daraufhin erstmals darüber nachzusinnen begann, erfasste ihn sogleich eine tiefe innere Lähmung, die ihn zu völligem Stillstand verdammte. In der englischsprachigen Psychologie und Philosophie ist dieses Phänomen der Irritation einer vormals automatisch ablaufenden Handlung durch übermässige Reflexion metaphorisch als eben „the centipede's dilemma" bekannt, „das Dilemma des Hundertfüßlers", wobei im englischen auch verschiedene Gedichtvarianten existieren, die die Kalamität des Tieres ironisch in Worte fassen, u.a. durch die clevere Frage z.B. einer Spinne, die nicht vom Hundertfüßler aufgefressen werden möchte:

„A centipede was happy – quite!
Until a toad in fun
Said, "Pray, which leg moves after which?"
This raised her doubts to such a pitch,
She fell exhausted in the ditch
Not knowing how to run."

„A spider met a centipede while hurrying down the street,
"How do you move at such a speed, with all so many feet?"
"I do not have to contemplate to keep them all in line,
But if I start to concentrate they're tangled all the time!""

Ab 13. September 2018

NEU IM KINO

August und September 2018

NIGHT OUT (ab 13.09.)
Eine Partynacht in Berlin, in der sich die Wege ganz unterschiedlicher Menschen kreuzen: Ein Galerist will seinem Star-Künstler und dessen Frau die angesagtesten Clubs zeigen. Ein schüchterner Syrer fordert die Verführungskünste von Lena und ihrer Geliebten heraus. Die junge Layla ist auf der Suche nach dem Vater ihres ungeborenen Kindes, während Martha und Sebastian wiederum einen Investor suchen. Alle Wege führen aber bekanntlich nach Rom oder, wie in diesem Falle, in den legendären KitKatClub!...

Kameras sind genau wie Smartphones im KitKat normalerweise verboten, aber für den Spielfilm 'Night Out - Alle feiern nackt' des in Berlin lebenden griechischen Regisseurs Stratos Tzitzis wurde eine Ausnahme gemacht. Und so kulminieren die verschiedenen episodischen Handlungsstränge schließlich vor dem Hintergrund einer echten Party mit über 1000 Gästen, wo die verschiedenen Figuren endlich aufeinandertreffen und von der Energie des Clubs mitgerissen werden:

„To go for a night out heißt so viel wie nachts ausgehen oder einen drauf machen... Man spricht Englisch, die mittlerweile vorherrschende Sprache der Berliner Nacht, wo in wilden Techno-Clubs bis in die frühen Morgenstunden getanzt und gefeiert wird. Alles scheint hier möglich und erlaubt, unabhängig von sexuellen Vorlieben und Ausrichtungen. Ein Fest für hetero- und homosexuelle Singles, Paare und Polyamore, die Spaß, Zerstreuung, Sex oder den totalen Kick suchen... Stratos Tzitzis feiert in seinem Film Berlin als Ort der nächtlichen Freiheit, des Hedonismus und eines schwul-lesbischen Selbstverständnisses... Der treibende Soundtrack und das durchweg spielfreudige Ensemble tun ihr Übriges." (Kultur-Extra.de)

PS: Der Film läuft nur in ausgewählten Programmkinos, Vorführungen bis zum 30. September: Kino Zukunft, Berlin-Friedrichshain, Di, 18.9.+Mi, 19.9., 22 Uhr, Fr, 21.9.+Sa, 22.9., 23 Uhr 45, Fr 28.9.+So 30.9., 22 Uhr. Freiluftkino Pompeji am Ostkreuz, Sa, 22.9., 20 Uhr 15, und Ladenkino, Berlin-Friedrichshain, Mi, 26.9., 22 Uhr 25. In englischer Sprache mit deutschen Untertiteln. Kommende Termine und Vorführungsorte siehe die Facebook-Seite zum Film via KitKat-Pressespiegel mit Klick oben auf die Überschrift („Neu im Kino")! Er ist ab dem 5. Oktober auch als DVD erhältlich, Preis 11,99 Euro.


EMBRYO (ab 06.09.)
Embryo ist ein seit Ende der 60er Jahre bestehendes und zunächst deutsches Musikerkollektiv, an dem im Laufe der Jahre über 400 nationale wie internationale Musiker beteiligt waren. Ursprünglich von der Jazzmusik und dem Jazzrock herkommend entwickelte sich der Sound der Gruppe immer mehr in eine Richtung, die heute World Music genannt wird. Entscheidendes Element für diese Wandlung waren ausgiebige Reisen von Embryo in Länder wie Indien, Nigeria, Ägypten oder Marokko, wo sie mit einheimischen Musikern zusammenspielten und sich von deren lokalen Musiktraditionen beeinflussen und inspirieren liessen. Übrigens gibt es auch persönliche Berührungspunkte von einem der Gründer des KitKatClubs mit der Geschichte dieser Band, was allerdings in eine Zeit weit vor der Entstehung des Clubs zurückreicht:

„Für seinen Dokumentarfilm konnte Regisseur Michael Wehmeyer, der zugleich auch Keyboarder bei Embryo ist, auf zahlreiche unveröffentlichte Videos und Fotos zurückgreifen und lässt in Interviews Bandmitglieder und Wegbegleiter zu Wort kommen. Außerdem thematisiert er den Generationswechsel innerhalb des Kollektivs, denn Bandgründer Christian Burchard übergibt im Rahmen des Films den Staffelstab gewissermaßen an seine Tochter Marja." (filmstarts.de)


MR GAY SYRIA (ab 06.09.)
„Mister Gay Syria" - wer ist der schönste Schwule aus Syrien? Mahmoud Hassino ist über 40, lebt seit ein paar Jahren in Berlin, stammt aus Damaskus und hat ursprünglich einmal Literatur- und Kommunikationswissenschaft studiert. Und Mahmoud Hassino ist schwul, von ihm stammt die aberwitzig erscheinende Idee eines schwulen Schönheitswettbewerbs für Syrer. Als politischer Aktivist für die Rechte von Homosexuellen möchte er damit zum einen mehr Aufmerksamkeit für die gefährdete Lage schwuler Muslime erzeugen, zum anderen träumt er davon, im Falle seines Sieges am internationalen „Mr Gay World"-Wettbewerb auf Malta teilzunehmen. Dieses Ziel teilt er mit einem anderen Protagonisten der Dokumentation, dem erst 24jährigen Friseur Husein Sabat, der auch aus Syrien geflohen ist und mit seiner Familie in Istanbul lebt. Seine Lage ist gleich doppelt prekär, denn einerseits hängt er in der türkischen Hauptstadt fest und weiß nicht, wie es weitergehen soll, so daß der Wettbewerb auch zur beinah utopisch anmutenden Chance wird, ein Visum in ein westliches Land zu erhalten. Andererseits ist er als Homosexueller noch ungeoutet und zwar sowohl gegenüber seiner Ehefrau als auch seinen Eltern, weshalb er ein Doppelleben führt und sich ständig verstellen muß: „Ich wollte ein guter Mensch sein und ein guter Mensch kann nicht schwul sein."

„Trotz all der bitteren Momente, die die queeren Geflüchteten erleben müssen, ist "Mr Gay Syria" ein ermutigender Film. Er zeigt, dass der Kampf um ein selbstbestimmtes Leben nicht an Staatsgrenzen aufhört. "Keiner will unsere Rechte anerkennen", sagt Mahmoud Hassino wütend, als alles schief geht. "Keiner kümmert sich um syrische LGBT-Flüchtlinge." Doch Hussein Sabat und seine syrischen Freunde ermutigen sich gegenseitig, um durchzuhalten. Sie wollen raus aus dem Gefängnis." (queer.de)

„Die türkische Filmemacherin Ayse Toprak begleitete die beiden Männer über ein Jahr lang in Istanbul und Berlin. Es entstand ein authentischer, humorvoller und eindrucksvoller Film über Homophobie, die Kluft zwischen westlicher und muslimischer Welt, die Freude am Verlieben und die verheerenden Folgen der Flüchtlingskrise. Es geht um Mut, Kraft, Durchhaltevermögen und Humor, wobei sich der „Mr Gay World"-Wettbewerb wie ein roter Faden durch den Film zieht." (blu.fm)


SAFARI - MATCH ME IF YOU CAN (ab 30.08.)
„Safari" ist der Name einer Dating-App zur virtuellen Vermittlung von unverbindlichen Sexpartnern. Und so trifft ein verheirateter Pilot auf eine attraktive YouTuberin. Seine Ehefrau berät als Psychotherapeutin den schüchternen David, der seine Jungfräulichkeit verlieren will. Dabei hilft ihm die einsame Mona, die wiederum via Safari App dem alleinerziehenden Life begegnet. Der fühlt sich aber überfordert usw. - bis sich am Ende der Kreis wieder schliesst...

Regisseur und Drehbuchautor (zusammen mit Friederike Klingholz) Rudi Gaul inszenierte seine beschwingte Parodie auf die Generation Tinder nach dem Grundmuster von Arthur Schnitzlers 'Reigen', u.a. mit bewährten Darstellern wie Justus von Dohnányi, Juliane Köhler oder Friederike Kempter. An sich ein zeitgemässes und spannendes Thema und als moderne Schnitzler-Adaption mit einer originellen Grundidee, die leider in Figurenzeichung und Situationskomik etwas klischeehaft umgesetzt wurde. Einzelne Episoden, Handlungsstränge oder Beziehungskonstellationen entwickeln dabei durchaus einen gewissen satirischen Biss, andere sind dagegen weniger originell geraten, wobei der Humor generell zwischen gelungenen Pointen und peinlichen Albernheiten wechselt. Die Kritikerin der Heilbronner Stimme hob dagegen mehr die ernsteren und wehmütigen Aspekte der Komödie hervor:

„Letztlich würde es in diesem Film um die Sehnsucht gehen, jemand zu sein, der man nicht ist. Gleichzeitig steht der Wunsch im Vordergrund, so geliebt zu werden, wie man ist. Insofern sei Safari weniger ein launig-leichter Sommerfilm für die Tinder-Generation, als eher eine Sozialstudie, die zum Nachdenken anregt." (Wikipedia)

Ab 19. Juli 2018

Endless Poetry

Chile in den 40er und frühen 50er Jahren des 20. Jahrhunderts: Der junge Alejandro Jodorowsky entfernt sich immer weiter von seinem Elternhaus, taucht ein in die Kunstszene der Hauptstadt Santiago de Chile und begegnet verschiedenen Menschen, die sein Schicksal und sein Verständnis vom Leben entscheidend prägen. Erst in ihrer Gegenwart kann er sich zum ersten Mal wirklich frei und verstanden fühlen. Im Laufe der Jahre wird er so zu einem der einflussreichsten Dichter in der spanischsprachigen Welt, wodurch er insbesondere mit seinem konservativen Vater immer wieder in Konflikt gerät...

Bildgewaltig, surreal, bizarr: So könnte man alle Filme von Alejandro Jodorowsky charakterisieren, von denen es insgesamt zwar nur eine Handvoll gibt, die aber alle nachhaltigen Eindruck auf Zuschauer und Kritiker hinterlassen haben. Und so auch sein aktuelles Werk 'Endless Poetry' - Originaltitel 'Poesía sin fin' - mit dem der mittlerweile 89jährige Filmemacher seine Fangemeinde überrascht und bei dem er nicht nur die Regie führte und das Drehbuch schrieb sondern auch die Rolle des erwachsenen Dichters gleich selbst übernahm. Jodorowsky, der schon lange in Paris lebt, ist ein wahrer Tausendsassa, ein Multitalent und visionäres Allroundgenie, das nicht nur Filme dreht sondern auch Graphic Novels schreibt, wie z.B. die ersten sechs Bände und den dreizehnten der legendären John Difool-Reihe, die von Moebius gezeichnet wurde, Bücher über Tarot und verwandte Themen veröffentlicht oder entsprechende Vorträge und Seminare zur Persönlichkeitsentwicklung abhält. Ein Ausspruch von ihm, der sein Wesen wie seine künstlerische Arbeit prägant auf den Punkt bringt, lautet: „Die meisten Regisseure machen Filme mit ihren Augen. Ich mache Filme mit meinen Eiern."

Seine frühen Meisterwerke wie der surreale Anti-Western 'El Topo' von 1970 und insbesondere das von John Lennon finanzierte ausschweifende Fantasy-Drama 'Montana Sacra - Der heilige Berg' von 1973 sind geradezu filmische Offenbarungen im Grenzbereich zwischen cineastischem Kunsterlebnis, visuellem Drogentrip und künstlerisch vermittelter spiritueller Erfahrung. Dieser die reine Filmkunst überschreitende Anspruch auf authentische Einsicht und lebendige Vermittlung in tiefere geistig-seelische Zusammenhänge ist es aber wohl auch, der Publikum wie Kritik stark polarisiert, denn die „esoterischen" Elemente seiner symbolischen Bilderreigen fordern die rationalen Weltbilder bzw. das individuelle Selbstbild des einzelnen Zuschauers stark heraus - konventionelle Sehgewohnheiten, die auf lineare Handlungsverläufe, eindimensionale Figurenzeichnungen und eineindeutige Botschaften denn auf dramaturgische Brechungen, vielschichtige Ambivalenzen und eben surreale Traumlogiken des Unbewußten setzen, sowieso.

Auch sein neuester Film steht in dieser die Grenze zwischen Kino und Leben aufhebenden Tradition, was durch die stark autobiographischen Elemente der Handlung noch weiter unterstützt wird oder z.B. auch durch den Umstand, daß der jüngere Jodorowsky von seinem Sohn Adan gespielt wird. Er ist dabei Teil einer Trilogie, die mit seinem Comeback-Film von 2013 'La danza de la realidad' ('The Dance of Reality') begann und erzählt sein Leben in Chile bis zu seiner Emigration nach Paris im Jahre 1953. Im Ergebnis sehen wir schließlich einen so bezwingenden wie opernhaft-hypnotischen Karneval der Bilder, eine virtuose freie Assoziation zur Kraft der Poesie, der Magie des Lebens und zu den Elementarkräften der menschlichen Natur, Schattenseiten und Abgründe inklusive:

„In jeder Szene spürt man den jugendlichen Geist des fast 90 Jahre alten Surrealisten. Die Bilder quellen über vor Fellini-haften Arrangements. Tanzende Teufel, überdimensionale Eisenbahnen, freudianische Beziehungsknoten – Jodorowsky erzählt sein eigenes Leben als Abfolge der seltsamsten Begegnungen. Das ist so erfrischend und lebensbejahend, dass man sich sofort wünscht, auch das eigene Leben in einer solch rauschhaften Bilderorgie auf der Leinwand sehen zu können." (Deutschlandfunk Kultur)

„Der Regisseur selbst hat als Erzähler seiner Lebensgeschichte einige Auftritte. Er spricht zum Publikum oder ermuntert sein jüngeres Alter Ego, die Maske fallen zu lassen. „Du bist nicht schuldig, dein Leben zu führen. Du wärst schuldig, würdest du das Leben der Anderen führen."" (Tagesspiegel)

„Zum Erlebnis wird dieses Spätwerk, dessen Fertigstellung nur mit Crowdfunding möglich wurde, durch seinen intensiven Flirt mit dem Scheitern. Jodorowsky steht dem Camp nahe, jener Ästhetik, bei der das Erhabene und das Banale sich auf eine unerwartete Weise berühren. Selten hat man das Gefühl, dass das Kino so sehr zu sich selbst kommt." (epd Film)

„Poesie, das ist hier eine Haltung, das Konzept eines Lebens, das keinen Beschränkungen unterworfen ist, das über der Normalität thront. Jodorowsky weiß: "Das Leben hat keinen Sinn - man muss es leben." Für den Poeten, der immer ein großes Kind blieb, ist das Leben ein Abenteuerspielplatz, der die Dimensionen des Weltalls hat. Irgendwann wirft der junge Mann exaltiert goldene Sterne in die Luft, die dann sanft auf ihn herniedersinken, wie das Universum." (Süddeutsche Zeitung)

PS: Der Film läuft noch in ausgewählten Programmkinos, ist aber auch schon länger als UK-Import mit englischen Untertiteln auf Blu-ray und DVD erhältlich (was jedoch angesichts der großen Bilder immer nur zweite Wahl sein kann).

Originaltitel: Poesía Sin Fin
Regie: Alejandro Jodorowsky
Länge: 128 (min)
Darsteller: Adan Jodorowsky, Pamela Flores, Alejandro Jodorowsky...
Produktionsort: Frankreich/Chile
Produktionsjahr: 2016
Startdatum: 19.07.18