Ab 19. August 2021

NEU IM KINO

Juli und August 2021:

FABIAN oder DER GANG VOR DIE HUNDE (ab 05.08.)
Berlin, Anfang der 30er Jahre: Der junge Germanist und angehende Schriftsteller Dr. Jakob Fabian arbeitet als Werbetexter, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Mit seinem besten Freund zieht er nachts durch Bars, Bordelle und Künstlerateliers, wobei er sich in einem Nachtclub in eine Bardame verliebt, die sich nicht zwischen Schauspielkarriere und Jurastudium entscheiden kann. Als er durch die Zuspitzung der Weltwirtschaftskrise seinen Job verliert, verschärfen sich auch seine persönlichen Lebensumstände...

Erich Kästner war nicht nur der Autor von so bekannten und bis heute populären Kinderbüchern wie 'Emil und die Detektive', 'Das doppelte Lottchen' oder 'Das fliegende Klassenzimmer'. Mit seinem 1931 erschienenen einzigen Roman für Erwachsene und mit autobiografischen Bezügen 'Fabian. Die Geschichte eines Moralisten' zeichnete er auch ein vielschichtiges Porträt von der Endphase der Weimarer Republik in der Berliner Metropole und verstrickte seinen Titelhelden dabei in komisch-tragische und auch erotische Abenteuer vor dem Hintergrund der sich immer weiter zuspitzenden politischen und ökonomischen Verhältnisse. Eine ungekürzte Fassung, die auch einige einst gestrichene erotische Passagen enthält, erschien erst 2013 unter dem Titel 'Fabian oder Der Gang vor die Hunde'.

Der Roman wurde bereits 1980 von Wolf Gremm das erstemal verfilmt, mit Hans-Peter Hallwachs in der Titelrolle, doch jetzt hat sich Dominik Graf des Stoffes angenommen, der zehnfache Grimme-Preisträger und Spezialist für auch formal anspruchsvolle Krimi-Unterhaltung, der eine ganze Reihe außergewöhnlicher Tatorte und Polizeirufe abgeliefert hat aber z.B. auch einen bemerkenswerten Historienfilm wie 'Die geliebten Schwestern' über die Liebe von Friedrich Schiller zu den Schwestern Charlotte und Caroline von Lengefeld. Seine Neuverfilmung, die die Kritiker von einem Meisterwerk jubeln lässt und mit einem eindrucksvollen Tom Schilling als Fabian, zeichnet sich vor allem durch eine bestechende Ästhetik aus, in der klassische und moderne Elemente bzw. Stilmittel zu einer bezwingenden Einheit fusionieren und den Film auch über rund drei Stunden tragen. Die inspirierende Machart des Films unterstreicht dabei die Zeitlosigkeit bzw. die soziale und politische Gegenwartsnähe der erzählten Geschichte bzw. ihrer handlungsleitenden Figuren:

„Dominik Graf hat es geschafft, einen Klassiker der deutschen Literatur zu entstauben und zu aktualisieren, ohne dabei große Zugeständnisse an den Massengeschmack zu machen. Sein Film ist roh und voller Energie. Er stellt die Kostüme nicht aus, arbeitet im 4:3 Format, mit Brecht'schen Verfremdungseffekten, mit Off-Erzähler und vielen Anachronismen." (...) „Das Zeitgemäße konnte nicht zeitloser gesagt werden", hieß es auf der Binde der Erstausgabe von Fabian. Dominik Graf beweist mit seinem reifsten und besten Spielfilm, wie wichtig diese Geschichte ist." (Deutschlandfunk Kultur)

„Die Faszination der Zwanziger – Zerstreuung und kassandrahafte Prophetie, Hedonismus und Defätismus, politische Regression und künstlerische Avantgarde – sieht bei Graf nicht wie eine Postkarte aus der Vergangenheit aus. In seiner Verweigerungshaltung gegenüber jeder Form von Nostalgie (sprich: dem Produktionsdesign des deutschen Geschichtsfilms) steckt immer schon eine Analyse der Bilder – impulsiv, fiebrig, unverdaut. Wie dem Unbewussten entrissen." (Tagesspiegel)

„Die eigentliche Magie dieses Films ist aber nicht sein musikalischer Rhythmus oder die Montage historischer und moderner Elemente. Es ist Grafs leichthändige Inszenierungskunst. Es ist die Lust am Spiel, die uns wieder einmal daran erinnert, dass es eben doch eine Kontinuität in der deutschen Filmgeschichte gibt – ihre erstklassigen Schauspielerinnen und Akteure." (Frankfurter Rundschau)


MATTHIAS UND MAXIME (ab 29.07.)
Die Geschichte einer Freundschaft im heutigen Kanada: Matthias und Maxime kennen sich seit Jugendzeiten. Der verheiratete Matthias zweifelt an seiner Juristenkarriere, während Maxime eine sehr große Veränderung in seinem Leben plant, denn er will nach Australien ziehen, u.a. als Flucht vor seiner alkoholkranken Mutter. Eine Kuss-Szene zwischen den beiden für den Kurzfilm einer Freundin bringt verdrängte Gefühle an die Oberfläche...

Im neuen Film des einstigen Regiewunderkinds des Queer-Cinema Xavier Dolan ('I Killed My Mother', 'Herzensbrecher', 'Laurence Anyways') sind wieder typische Motive versammelt, wie z.B. die ambivalente Identitätssuche von jungen Großstädtern, komplizierte amouröse Verwicklungen jenseits heteronormativer sexueller Orientierung oder auch eine schwierige Mutterbeziehung. Dabei zeigt der achte Film in elf Jahren des erst 32-jährigen Regisseurs, der selbst die Figur des Maxime spielt, eine stärkere Reife und knüpft gleichzeitig wieder an Qualitäten aus seiner Anfangszeit an, nach dem die letzten Werke auf eher schwächere Resonanz bei Kritik und Publikum gestossen waren:

„Dolan mag kein zweiter Fassbinder sein, aber nicht nur in Sachen Produktivität bestehen durchaus Parallelen zu den brutal-intimen, Dramaqueen-haften Gefühlsexzessen des german wunderkind." (Tagesspiegel)

„So stehen die Figuren dauernd unter sozialem Druck, keine Chance auf Entspannung, alles wirkt gehetzt, gezwungen, die Freunde sitzen, trinken und scherzen zusammen, kennen sich ein halbes Leben und sind doch kaum fähig zu echter Empathie. (...) Die unterdrückten homosexuellen Wünsche von Matthias werden so auch zum Symbol für die Unterdrückung von freier Sexualität insgesamt. Was bleibt, ist die Flucht aus der allumfassenden bürgerlichen Enge, die eben keineswegs dadurch verschwindet, dass die Gesellschaft politisch liberaler wird." (Neues Deutschland)


SOMMER 85 (ab 08.07.)
Ein Badeort in der Normandie in den 80er Jahren: Der unsichere und schüchterne Alexis lernt den selbstbewußten und vor Lebensfreude überschäumenden David kennen, der zwei Jahre älter ist, und verliebt sich in ihn. Ihre kurze Beziehung hat Höhen und Tiefen, wobei ihre ganze Geschichte in einer Rückblende erzählt wird...

Das neue Werk von Regisseur François Ozon ('Swimming Pool', 'Jung und schön', 'Der andere Liebhaber') ist eine inspiriende Kombination aus Coming-of-Age- und Coming Out-Film, aus schwulem Liebesdrama und Krimi, wobei trotz eines grundlegend tragischen Aspekts Momente der Leichtigkeit, der Heiterkeit und des Glücks die Atmosphäre des Films prägen, mit einer melancholischen Komponente. Besondere Akzente setzt hier auch die Filmmusik bzw. der Soundtrack, der mit Titeln aus der damaligen Zeit z.B. von The Cure, Lloyd Cole and the Commotions oder Bananarama den Zuschauer emotional in die Mitte der 80er Jahre zurückführt. Nach dem Roman 'Tanz auf meinem Grab' von Aidan Chambers, dessen Geschichte Ozon adaptiert, leicht abgewandelt und nach Frankreich versetzt hat, in einer Mischung aus Romanhandlung und eigenen prägenden Jugenderfahrungen:

„„Schwules Begehren, rauschhafte Bilder (...) Sommer 85" ist ein literarischer Film, dem Ozon durch flirrende Tanz- und Musikszenen eine emotionale, an die Todessehnsucht der Romantik erinnernde Qualität mitgibt." (Tagesspiegel)

„Ich erinnere mich, dass ich sehr beeindruckt war, wie offen der Roman von der Liebe zwischen zwei Jungs erzählte. Schwule Geschichten waren damals meistens voller Scham und Schuld, gleichzeitig wurde unser eigenes, gerade erst beginnendes Leben von AIDS überschattet. Das Buch war da wie ein Sonnenstrahl, es war witzig und berührend. Und mir gefiel, dass es nicht um Homosexualität als Thema ging, sondern dass es einfach eine Liebesgeschichte war, nur eben zwischen zwei Jungs." (François Ozon im Interview auf freitag.de)

KURZ NOTIERT:

PROMISING YOUNG WOMAN (ab 19.08.) Die 30jährige Cassie lässt sich scheinbar betrunken von fremden Männern abschleppen, um ihnen daraufhin eine Lektion zu erteilen. Ihr genaueres Motiv wird erst im späteren Verlauf des Films klar... Tragikomödie mit Thrillerelementen mit einer beeindruckenden Carrey Mulligan ('Der große Gatsby', 'Am grünen Rand der Welt') in der Titelrolle, in der das Phänomen der toxischen Männlichkeit ganz überwiegend nicht am konventionellen Macho-Typus festgemacht wird sondern mehr an „eigentlich" netten und gebildeten Männern, die sich selbst für aufgeklärter und emanzipiert halten. Spielfilmdebüt von Schauspielerin und Produzentin Emerald Fennell, die das Genre des Rape-and-Revenge-Films so intelligent wie unkonventionell variiert, mit sehr überraschendem Schluß-Twist, der zusätzlich viel Gesprächsstoff liefern wird. --------------- GENERATION BEZIEHUNGSUNFÄHIG (ab 29.07.) Lebemann und Frauenaufreißer Tim, der schnell von seinen vielen Eroberungen genug hat, trifft auf Ghost, mit der er sich ausnahmsweise einmal mehr als schnellen Sex vorstellen könnte. Doch nun ist sie es, die ihn romantisch abblitzen lässt bzw. „ghosted"... Regisseurin Helena Hufnagel ('Einmal bitte alles') verfilmte den gleichamigen Beziehungsratgeber und Riesenbestseller von Michael Nast aus dem Jahr 2016, der für viele jüngere Menschen zu einer Art moderner Bibel in Sachen Liebe, Beziehung und ihrer verschiedenen Fallstricke geworden ist. Das Problem des Films besteht daher auch zuallererst in der eher holzschnittartigen Psychologie und Soziologie dieser Buchvorlage, während die souveränen Hauptdarsteller Frederick Lau und Luise Heyer mit Spielfreude und Witz versuchen, die eher dünne Substanz des Buches und dessen klischeehaften Analysen vergessen zu machen. Merke: Die „Bibel der Moderne" wurde bereits 1956 von Sozialphilosoph und Psychoanalytiker Erich Fromm veröffentlicht und seither und bis in die Gegenwart vielmillionenfach auf der ganzen Welt gelesen ('Die Kunst des Liebens'), zumindest „das Alte Testament der Moderne", während ein modernes Neues Testament wohl auch eine Art neuen Christus voraussetzte... -------------- ORPHEA (ab 22.07.) So vielschichtiger wie inspirierender aber auch komplex-chaotischer Filmessay von Philosoph Alexander Kluge zusammen mit dem philippinischen Musiker und Künstler Khavn De La Cruz und mit Lilith Stangenberg in der Titelrolle, der den antiken Mythos über den Sänger Orpheus, der seine Geliebte Eurydike aus dem Totenreich zurückholen will, neu zusammensetzt bzw. interpretiert, dabei alle möglichen Gegenwartsbezüge herstellt und unterschiedlichste Denker, Filmemacher oder Künstler zitiert: „So geht es im Film dann etwa um Renaissancen, also um die Wiederauferstehung alter Zeiten. Um gescheiterte Utopien wie die Pariser Kommunen. Oder um die menschliche Sehnsucht nach Unsterblichkeit. Um russische Biokosmisten oder die Vordenker des Silicon Valley, welche die Grenzen des menschlichen Körpers nicht akzeptieren wollten." (filmstarts.de) Mit Animationen, Splitscreens, schnellen Schnitten, Voiceover, trashigen Power-Point-Präsentationen, hektischen Handkamera-Sequenzen, gefilmten Theaterszenen, Stepeinlagen, Interviewpassagen und vielem weiteren mehr: „Ein Sonntagsspaziergang aus der Unterwelt ans Licht." (filmstarts.de) --------------- BAD LUCK BANGING OR LOONY PORN (ab 08.07.) Eine Lehrerin im Rumänien der Gegenwart dreht mit ihrem Mann einen Sexfilm, doch dummerweise gelangt der Homeporno an die Öffentlichkeit bzw. ins Internet. Als ihre verschiedenen Versuche, genau das zu verhindern, scheitern, muß sie sich schließlich vor Kollegen und Eltern rechtfertigen... Der Gewinnerfilm der diesjährigen Berlinale karikiert die sexuelle Doppelmoral im heutigen Rumänien vor dem Hintergrund des sozialen Wandels und verschiedener Konfliktlinien der rumänischen Gesellschaft während der Corona-Pandemie, womit er einer der wenigen Filme ist, die dieses globale Krisengroßereigniss überhaupt thematisieren bzw. als selbstverständlichen Hintergrund verwenden: „»Bad Luck Banging or Loony Porn« ist kein rundes Erlebnis. Amateur-Porno und Großstadtsinfonie, Filmessay und Haudruff-Satire, das alles steht in diesem im Februar mit dem Goldenen Bären der Berlinale ausgezeichneten Film disparat nebeneinander. So macht er die gesellschaftlichen Umbrüche zwischen Pandemie und Rechtspopulismus, deren Bedingungen er abgerungen worden ist, zum Teil seiner Erzählung." (Spiegel-Online)

Ab 01. September 2020

70 mm: 2001 – A SPACE ODYSSEY

„50 years ago one movie changed all movies forever"

Irgendwann in grauer Vorzeit, ein schwarzer Monolith in der afrikanischen Savanne: Einer unserer äffischen Vorfahren macht eine unheilvolle Entdeckung. Jahrmillionen Jahre später, im Jahr 2001, finden die Menschen auf dem Mond ein außerirdisches Objekt, das Strahlen in Richtung des Jupiter aussendet. Ein Raumschiff mit fünf Wissenschaftlern und einem Supercomputer an Bord bricht zu einer langen Reise ins Unbekannte auf...

Der Monolith. Die Menschwerdung. Der Tanz im All. Der Fund auf dem Mond. Eine Mission. Künstliche Intelligenz. Transgression. Die Geburt des neuen Menschen: Mit '2001 - Odyssee im Weltraum' errichtete Regisseur Stanley Kubrick im Jahr 1968 DEN inhaltlichen wie bildlich-ästhetischen Maßstab des Science Fiction-Films, an dem sich auch heute noch jeder engagierte Versuch messen lassen muß, mit den Mitteln des Genres eine außergewöhnliche Kinoerfahrung zu vermitteln. Durchaus nicht unumstritten, insbesondere und ausgerechnet bei konventionellen Science Fiction-Fans, die mit der entschleunigten und dialogarmen Dramaturgie oder den philosophischen Aspekten des Films wenig anfangen konnten und können. Nach der Kurzgeschichte 'The Sentinel' von Arthur C. Clarke, der auch am Drehbuch mitschrieb. Oscar für Stanley Kubrick für die besten Spezialeffekte und zahlreiche weitere Auszeichnungen und Nominierungen - und der kommerziell erfolgreichste Film im Jahr 1968: „Das American Film Institute wählte den Film auf Platz eins der besten Science-Fiction-Filme aller Zeiten." (Wikipedia)

„Kubricks fantastisches Abenteuer vereint technische Utopie und kulturphilosophische Spekulation zu einer Weltraumoper von überwältigendem Ausmaß. Der kühne gedankliche Entwurf des Films wird mit nicht minder kühnen optischen Effekten und einer revolutionären Tricktechnik realisiert, die das Genre Science Fiction in den folgenden Jahren entscheidend prägten." (Lexikon des Internationalen Films)

Das Arsenal im Kinomuseum am Potsdamer Platz zeigt im Rahmen ihrer 70-mm-Reihe den Klassiker, der im Super Panavision 70-Format gedreht wurde, nach einem halben Jahr Pause im September erneut auf der großen Leinwand, bereits am 1. September und am Samstag d. 19. September, jeweils um 20 Uhr. Vorführungen zu einem späteren Zeitpunkt nicht ausgeschlossen. Zu sehen ist die 143minütige englischsprachige Originalfassung, die Regisseur Christopher Nolan ('Inception', 'Interstellar', 'Tenet') 2018 zum 50jährigen Jubiläum 2018 beim Filmfestival in Cannes präsentierte: „This is a true photochemical film recreation. There are no digital tricks, remastered effects, or revisionist edits."

Die Vorführung im Arsenal-Kino stellt eine große und seltene Gelegenheit dar, ein Meisterwerk der Filmgeschichte so auf der großen Leinwand zu erleben, wie es ursprünglich gedacht und für die es einst geschaffen worden war. Nicht nur die visuell-ästhetischen und tricktechnischen Aspekte gelangen hier erst zu ihrer vollen - emotionalen - Geltung sondern auch die sinnlich-dramaturgischen, die von einer ungewöhnlich ausgewählten bzw. eingesetzten Filmmusik kongenial unterstrichen und verstärkt werden, u.a. mit der überraschenden Verwendung klassischer Musikstücke z.B. von Richard Strauss ('Also sprach Zarathustra') oder Walzerkönig Johann Strauss ('An der schönen blauen Donau', in der Version des Berliner Philharmonie Orchesters, unter der Leitung von Herbert von Karajan). Die Mörderaffen-Anthropologie der Anfangssequenz, der eine Theorie des Anthropologen Robert Ardrey über die vermeintlich gewalttätige Natur des Menschen zu Grunde lag, hatte in der weiteren wissenschaftlichen Debatte allerdings keinen Bestand, die nun auch die altruistischen Dimensionen der menschlichen conditio humana gleichberechtigt neben seine aggressiven Tendenzen stellt. Die längere psychedelische Sequenz gegen Ende des Films, die schon im Symboljahr „1968" großes Aufsehen in entsprechenden Subkulturen erregte und im Laufe der Zeit Nachahmung in jüngeren Science Fiction-Filmen gefunden hat wie etwa in 'Stargate' (1994) oder in 'Interstellar' (2014) und die auch zeitgenössische Schöpfer virtueller 3D-Welten inspiriert, wirkt in ihrem intensiven Sog dagegen zeitlos wie vor über 50 Jahren (übrigens auch ein prägnantes Beispiel für einen klug weil dosiert eingesetzten Kontrasteffekt, von wegen „entschleunigte Dramaturgie"):

„Ich habe versucht, ein visuelles Erlebnis zu schaffen, welches die sprachlichen Einordnungsschemata umgeht und mittels eines emotional-philosophischen Inhalts direkt zum Unterbewusstsein vordringt. Ich war bestrebt, den Film als intensiv subjektive Erfahrung zu kreieren, die den Zuschauer auf einer inneren Bewusstseinsebene erreicht, genauso wie Musik; eine Beethoven-Symphonie zu ‚erklären' würde sie entzaubern, durch die Errichtung einer künstlichen Schranke zwischen Konzeption und Wahrnehmung. Es steht jedem frei, über die philosophische und allegorische Bedeutung des Films zu spekulieren – und derartige Spekulation ist ein Anzeichen dafür, dass es gelungen ist, das Publikum auf einer tiefen Ebene zu berühren – aber ich möchte keine verbale Deutung für 2001 aufstellen, der zu folgen sich jeder Zuschauer verpflichtet fühlen wird, in der Befürchtung, andernfalls den Kern nicht erfasst zu haben." (Stanley Kubrick, Playboy Magazin, 1968)

Originaltitel: 2001: A Space Odyssey
Regie: Stanley Kubrick
Länge: 143 (min)
Darsteller: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester...
Produktionsort: Großbritannien/USA
Produktionsjahr: 1968
Startdatum: 11.09.68